A más de tres décadas de su estreno, la segunda incursión de Carlos Enrique Taboada por los caminos del horror gótico rivaliza en popularidad con su antecesora, Hasta el viento tiene miedo (1968). Gracias a su frecuente presencia en las pantallas televisivas mexicanas, El libro de piedra ha logrado cautivar a toda una generación de mexicanos que no se cansa de aterrorizarse con la diabólica complicidad que se establece entre la pequeña Silvia y el misterioso Hugo.
Argumento A petición del acaudalado Eugenio Ruvalcaba, la institutriz Julia Septién es contratada para hacerse cargo de la educación de la pequeña Silvia, hija de Eugenio y de su difunta esposa. La niña se comporta de una manera extraña y afirma jugar con Hugo, la estatua de piedra de un niño leyendo un libro que adorna los jardines de la mansión. Lo que al principio parece un simple juego de la imaginación infantil se va transformando hasta convertirse en una macabra obsesión.
Ficha Técnica Pais: Mexico
Año: 1969
Duración: 99 min.
Dirección: Carlos Enrique Taboada
Guión: Carlos Enrique Taboada
Intérpretes: Marga López, Joaquín Cordero, Norma Lazareno, Aldo Monti, Lucy Buj
Así como el cine de horror gótico tiene claros antecedentes en la literatura anglosajona, la trama de El libro de piedra se inspira libremente en la novela Otra vuelta de tuerca (The Turn of the Screw) del escritor británico Henry James. Considerada como una de las joyas de la literatura inglesa de horror, Otra vuelta de tuerca fue llevada a la pantalla en 1961 por el director Jack Clayton. La cinta, titulada The Innocents y conocida en México como Posesión satánica, logró capturar el misterio poético de la novela de James y sin duda animó a Taboada a escribir este relato sobre fantasmas sedientos de venganza.
Como Hasta el viento tiene miedo (1968), El libro de piedra adolece de una producción bastante descuidada y un desempeño disparejo por parte de sus protagonistas. Sin embargo:
El director logró momentos inquietantes y varias secuencias se desarrollan en una atmósfera que expresa los deseos criminales de la protagonista.
De la Vega Alfaro, E. (1998). El cine de Marga López. Guadalajara, México: Universidad de Guadalajara (CIEC) e IMCINE, pp. 145-146.
Poco pretenciosa en sus intenciones originales, El libro de piedra logró convertirse en una de las películas de culto más populares del cine mexicano, algo que ni su propio director sospechaba en el momento de su rodaje. Bien dicen que a los seres humanos nos gusta asustarnos de vez en cuando. En ese sentido, El libro de piedra cumple cabalmente con satisfacer esa extraña necesidad de la naturaleza humana.
El exorcista es una película de terror de 1973 dirigida por William Friedkin con un guión basado en la novela homónima de William Peter Blatty. La película se ha convertido en un clásico del cine de terror y suspense.
Ambientada en Estados Unidos de principios de los años 70, relata el exorcismo al que es sometida una inocente niña tras ser poseída por el Diablo.
Argumento Durante las excavaciones a unas ruinas al norte de Irak, el arqueólogo y sacerdote Lancaster Merrin entra en pánico tras encontrar vestigios anacrónicos al periodo estudiado. El jesuita presiente que el Mal ronda y lo confirma cuando se topa con la estatua del demonio Pazuzu... un viejo enemigo está por volver.
Luego la acción se traslada a Georgetown (Washington D. C.). Regan MacNeil, una niña de doce años, comienza a experimentar violentos cambios de personalidad que ni la ciencia y la psiquiatría pueden resolver. Su madre, Chris MacNeil, desesperada, recurre finalmente a la Iglesia, quien envía al padre Merrin a realizar un exorcismo que salve la vida de la pequeña.
Ficha Técnica Pais: USA
Año: 1973
Duración: 122 min.
Dirección: William Friedkin
Guión: William Peter Blatty
Intérpretes: Ellen Burstyn, Max von Sydow, Lee J. Cobb, Linda Blair, Jason Miller
El exorcista ha sido una de las pocas películas del cine de terror en lograr excelente acogida de crítica y de público, hasta el extremo de convertirse en un clásico de la cinematografía mundial y en un fenómeno cultural.
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Su éxito se le atribuyó a la austeridad y al realismo de la historia. La cinta planteó la dicotomía entre ciencia y laicismo contemporáneo por un lado, y formas de creencia y religiosidad aparentemente superadas en el siglo XX. En palabras de su director: «Es una parábola del cristianismo, de la eterna lucha entre el bien y el mal».El filme consiguió el Globo de Oro a la mejor película y dos Premios Óscar.
La noche de los muertos vivientes es una película seminal de 1968 dirigida por George A. Romero, que transfiguró el género de las películas de Terror y el subgénero Cine de zombis.
La trama es sencilla y familiar, incluso para los espectadores ocasionales de este género: los muertos regresan a la vida, esparciendo su misma condición a través de los Estados Unidos y atacando a los vivos para alimentarse de su carne. Fue filmada en la ciudad de Evans (Pennsylvania).
Argumento
Barbara y su hermano realizan una visita al cementerio. Mientras llegan, la radio anuncia extraños ataques que se han estado realizando en las últimas horas. Cuando están en el cementerio, el hermano de Barbara es atacado por un muerto viviente. Ella huye, llegando a una casa, en la que se encuentran ya refugiadas varias personas. En la radio, las noticias hablan de la resurreción de todos los difuntos, que convierten en no muertos a aquellos a los que alcanzan. Pronto los zombies comenzarán a cercar la casa e intentar entrar en ella.
Ficha Técnica Pais: USA
Año: 1968
Duración: 96 min.
Dirección: George A. Romero
Guión: George A. Romero
Intérpretes: Duane Jones, Judith O'Dea, Karl Hardman, Marilyn Eastman, Keith Wayne, Judith Ridley, Kyra Schon
Todo un clásico del género. Una sanguinolienta revisión de los códigos de los films de terror realizados hasta la fecha que tuvo influencia en posteriores directores como David Cronenberg, Tobe Hopper o Sam Raimi.
Aunque fue una película de bajo presupuesto y fue dirigida por un director nuevo en su tiempo, la película es considerada una obra clásica del horror por muchos críticos de cine, y se colocó en el lugar 93 en la lista de los 100 del American Film Institute durante su centésimo aniversario.
Fue rodada en blanco y negro, y utilizó efectos especiales de bajo costo, por ejemplo usando jarabe de chocolate como sangre.
The night of the living dead es uno de esos films característicos de una época, cuya importancia histórica y simbólica va más allá del valor que se les quiera atribuir. Estrenado en el fatídico 1968, forma parte, con Rosemarys baby, de un díptico ideal en el desarrollo del cine de horror. Por una parte, el film de Polanski firmó el ingreso oficial del terror en las producciones "A", sustrayéndolo del ámbito restringido de apasionados para celebrar un audaz crossover entre autor, género y gran público. Por otro lado, el de Romero consagró un modelo estético y con producción de bajo coste que abrió el camino a decenas de producciones salvajes y descentralizadas, haciendo del horror, durante algún tiempo, una práctica casi experimental: de ese modelo descienden los diversos La matanza de Texas, Evil Dead, en parte Asalto a la comisaría del Distrito 13, e incluso el reciente The Blair Witch Project.
En su ofrecimiento de dos caminos opuestos al futuro del horror, The nigh of the living dead y Rosemarys baby señalan también una ruptura común con respecto a la tradición gótica. Con los films de Romero y Polanski, la monstruosidad ya no es más una cuestión de alteridad mitológica, sino que penetra en la vida cotidiana, se encarna en nosotros mismos y en nuestros vecinos de casa. Además, la representación del horror deviene explícita en The night of the living dead, siguiendo las huellas de un Herschell Gordon Lewis, pero transfiriendo su clamorosa agresividad pop a un terreno más realista.La azarosa historia de la producción de The night of the living dead es conocida y forma parte de su leyenda. Romero, que hacía años que trabajaba en Pittsburgh, en el sector publicitario, había decidido probar suerte con unos amigos en el terreno del film de bajo presupuesto, como tarjeta de visita para la industria cinematográfica. La elección de los ambiciosos filmakers recayó sobre un film de horror a causa de las posibilidades comerciales que ofrecía el género, y la película fue rodada en siete meses, aprovechando los fines de semana y la disponibilidad de los amigos. Una vez acabado, obtuvo algunas críticas indignadas y una difusión limitada hasta que el éxito europeo le hizo alcanzar en los USA de rebote, fama de cult-movie, decretándose el triunfo definitivo
Hasta el viento tiene miedo es una película mexicana de horror gótico filmada en 1968 en México, protagonizada por Marga López y Maricruz Olivier, dirigida por Carlos Enrique Taboada.
Argumento: En un exclusivo Colegio femenino de dura disciplina y ferreo control, el fantasma de Andrea una ex alumna suicida, provoca que Claudia y un grupo de condiscípulas queden castigadas durante las vacaciones en las instalaciones de ese Colegio. Después de atormentar a Claudia y a sus compañeras por varias noches, el Fantasma de Andrea se posesiona del cuerpo de Claudia para vengarse de Bernarda la directora del plantel. Claudia sufre una extraña transformación que hace recordar a Lucía la brillante personalidad de la alumna suicida. Una vez que se ha consumado la venganza en contra de la tirana directora, todo vuelve a la normalidad.
Se considera una película de culto entre los fanáticos mexicanos del cine de horror y se muestra los días de Todos los Santos y el día de los muertos.
Ficha Técnica Pais: Mexico
Año: 1968
Duración: 88 min.
Dirección: Carlos Enrique Taboada
Guión: Carlos Enrique Taboada
Intérpretes: Marga López, Maricruz Olivier, Alicia Bonet, Norma Lazareno, Renata Seydel, Elizabeth Dupeyrón, Rita Sabre Marroquín, Rafael Llamas, Pamela Susan Hall
Tradicionalmente, el género de horror en el cine mexicano ha sido caracterizado por la combinación, un tanto surrealista, de luchadores y monstruos. Durante los años cincuenta, el auge de la lucha libre y el resurgimiento internacional del cine de horror hicieron converger a estas dos corrientes en un cine barato y efectista, que tuvo momentos gloriosos con cintas como Ladrón de cadáveres (1956) de Fernando Méndez, pero que casi nunca exploró más allá de los estrechos límites que la propia combinación ofrecía.
Además de barato, el cine de horror mexicano carecía de una tradición. Aunque los escritores y directores del cine nacional nunca demostraron empacho a la hora de "mexicanizar" historias y tradiciones extranjeras, el suspenso, el terror psicológico y otras manifestaciones del cine de horror no fueron explorados sino hasta la década de los sesenta.
Hasta el viento tiene miedo se inscribe en la tradición del horror gótico, variante del género de horror muy popular en la literatura y cinematografía anglosajonas. La denominación proviene de los ambientes obscuros y misteriosos en los que se desenvuelven las tramas de estas historias. Casonas habitadas por fantasmas, personajes atormentados, venganzas del más allá y otras manifestaciones sobrenaturales son característicos de este género.
Su experiencia previa como argumentista de cintas como El espejo de la bruja (1960) y la serie de Nostradamus (1959) familiarizó a Carlos Enrique Taboada con los elementos típicos del terror fino y casi imperceptible que emana de las imágenes de Hasta el viento tiene miedo. A pesar de las evidentes limitaciones de su producción y de lo poco convincente de algunas de sus actuaciones:
Se apreció en su momento el intento en Taboada de crear una atmósfera ominosa sin el auxilio de la truculencia barata.
García Riera, E. (1993). Historia documental del cine mexicano XIII: 1966-1967. Guadalajara, México: Universidad de Guadalajara, p. 219.
Las deficiencias en su realización, atribuíbles en mayor grado a la modesta producción que al descuido de su director, han tenido poco efecto en la percepción del público sobre la calidad de la cinta:
Nunca creí que esta película tuviera éxito y sin embargo gustó mucho; todavía a mucha gente le sigue gustando, les sigue provocando miedo, les sigue asustando.
Marga López, en De la Vega Alfaro, E. (1998). El cine de Marga López. Guadalajara, México: Universidad de Guadalajara (CIEC) e IMCINE, pp. 145-146.
La popularidad alcanzada por Hasta el viento tiene miedo, especialmente entre jóvenes y fanáticos del cine de horror, ha generado uno de los "cultos" más interesantes de la historia reciente del cine mexicano. La película es una de las más comentadas en el creciente número de chats y grupos de discusión que sobre cine existen en Internet. Adicionalmente, su paso por la televisión mexicana se ha vuelto una tradición durante las festividades de halloween y día de muertos. Este fenómeno ha trascendido las fronteras de nuestro país, convirtiendo a la cinta de Taboada en una de las favoritas de los aficionados al horror cinematográfico alrededor del mundo.
A finales de 2007, un desafortunado remake -que transformó la popular trama de suspenso en un melodrama lésbico con tintes sobrenaturales- además del lanzamiento en DVD de la cinta original, volvieron a poner de moda a Hasta el viento tiene miedo. Los miles de admiradores de la cinta olvidaron rápidamente la nueva versión y se dirigieron en masa a adquirir la película original, con el inquebrantable propósito de seguirse asustando con las apariciones y deleitarse con las maldades del fantasma de Andrea.
Argumento
Del dirctor de Audition.
Un estadounidense va en busca de su novia japonesa y llega a una misteriosa isla donde ocurren extraños actos. Allí conoce a una prostituta con la cara desfigurada que era amiga de su novia.
Ficha Técnica Pais: USA, Japon
Año: 2006
Duración: 63 min.
Dirección: Takashi Miike
Guión: Shimako Iwa
Intérpretes: Youki Kudoh, Michie Itô, Billy Drago
Takashi Miike es un director de cine japonés nacido el 24 de agosto de 1960 en Yao, una pequeña ciudad a las afueras de Osaka. Estudió dirección de cine en la Academia de Artes Visuales de Yokohama. La popularidad le llegó en 1999 con la película AUDITION. Prolífico, ecléctico y controversial cineasta, conocido como el Tarantino oriental, es capaz de crear sentimientos y sensaciones antagónicas en el espectador. Al parecer los productores de la serie no sabían en lo que se estaban metiendo al darle completa libertad creativa a un director como Takashi Miike. En realidad, todos los directores que participaron en la serie gozaron de tal libertad ya que al emitirse por una cadena privada se suponía que el nivel de censura seria mucho menor. Pero Miike fue mas haya de lo que esperaban los creadores de dicha serie y HUELLA jamás fue emitido por la televisión americana.
El mismo Mick Garris, creador y productor ejecutivo de la serie, declaro: "Es definitivamente la película más perturbadora que yo haya visto". Mick Garris no se alejaba tanto de la verdad, ciertamente, HUELLA es abominable, enfermizo, horripilante, macabro, perverso. Por supuesto que de ser transmitido en USA hubiese sido un hervidero de denuncias, pero eso no es problema de la película. ¿La razón de tan drástica medida? Mutilaciones, Deformaciones monstruosas, Violaciones, Incesto, Pedofilia, Tortura extrema, Maltrato, Sangre, Humillaciones, Asesinato, Infanticidios a saco, Paranoia... una corrupción absoluta de cuerpo, mente y alma. Un autentico infierno en 60 minutos de metraje.
La película sitúa su acción a mediados del siglo XIX. Christopher es un joven periodista americano que decide viajar a Japón para reencontrarse con la prostituta japonesa que años atrás amó y abandonó. Pero cuando se adentra en una misteriosa isla, descubre que los demonios humanos y las prostitutas gobiernan el lugar en le que una deformada cortesana espera su llegada para explicarle un cuento repleto de extrema crueldad y perversa venganza.
Bueno pues ya que el amigo Judias ha enviado un capitulo de esta serie creada por el director Mick Garris, aqui envío el ultimo capítulo de la primera temporada dirigido por el kamikaze Takashi Miike. Es cierto que este episodio lo han censurado en yankilandia pero...que esperaban de un tipo como Miike??!!.Respecto a la historia no tiene desperdicio Takashi Miike no se corta un pelo...hay abortos, fetos, incesto y torturas. Una cruel tortura dificil de aguantar que nos remite al Takashi de "Audition". Y en toda esta pesadilla se encuentra un incrédulo Billy drago que no termina de creerse lo que le cuenta la chica desfigurada.
A la mayor parte de los mortales el nombre de Don Coscarelli, encargado de abrir fuego en esta primera temporada de Masters of Horror, no les dirá nada. Sin embargo, este eterno desconocido para el gran público es el artífice de Phantasm (1979), auténtica cult movie de exiguo presupuesto e iniciadora de una saga, compuesta hasta el momento por cuatro títulos, que cuenta con una auténtica legión de phans, como gustan hacerse llamar los incondicionales de la (hasta el momento) tetralogía, entre los devoradores de serie B y demás adictos al terror subterráneo. Indudablemente el hecho de que Coscarelli sea el creador de `el hombre alto´, uno de los mitos del terror moderno, debió influir para que Mick Garris le propusiera dirigir el capítulo inicial de esta excelente propuesta que es Masters of Horror.
Arguemento Del director de Phantasm. Ellen viaja por una carretera desierta cuando al intentar cambiar de emisora choca contra un coche parado en mitad de la calzada. Cuando va a ver si hay algún herido, descubre un reguero de sangre que la conduce desde el coche hasta el lindero del bosque...
Ficha Técnica Pais: USA Año: 2005 Duración: 51 min. Dirección: Don Coscarelli Guión: Don Coscarelli Intérpretes: Bree Turner, Angus Scrimm, John DeSantis, Ethan Embry, Heather Feeney
Hemos de reconocer que Coscarelli permanece encasillado desde hace años en su papel de obsesivo demiurgo y principal explotador de la franquicia Phantasm (1). De hecho, Incident On and Off a Mountain Road (2005) es una nueva revisión del universo temático de la saga que incluso cuenta con la presencia de Angus Scrimm, actor que ha dado vida al `hombre alto´ en todas sus apariciones fílmicas, encarnando a un sosias del célebre personaje. Por tanto el autohomenaje resulta en este caso evidente. Coscarelli persigue con ello, y lo consigue de inmediato, obtener la complicidad de los fanáticos de la saga que no podrán evitar el orgasmo entusiasta ante la espectacular aparición de Scrimm en la cinta. No obstante no se han de malinterpretar mis palabras, pues Incident On and Off a Mountain Road sobrevive a su preclara condición de artefacto para satisfacción de los incondicionales enfebrecidos de Phantasm que pululan por este planeta y se revela como un excelente film de terror. El mayor acierto de la película, pues eso es lo que son en definitiva todos y cada uno de los episodios de Masters of Horror, es precisamente esa dualidad ambigua que se sugiere desde el mismo título. Coscarelli ironiza sobre los lugares comunes del cine de terror moderno. Para ello toma un argumento manido hasta la saciedad dentro del género (Una chica sufre un accidente de coche en una carretera apartada y es perseguida por un asesino monstruoso) y lo conjuga, mediante una hábil utilización del flash-back, con una crítica feroz a la cultura del miedo impuesta desde las altas esferas de la sociedad yanqui y la consecuente paranoia, en algunos casos mucho más peligrosa que la hipotética amenaza, que ésta origina en el ciudadano americano medio.
De manera que el episodio perpetrado por Don Coscarelli para esta season 1 de Masters of Horror es un slasher-político que nos hace intuir que el cine de terror contemporáneo no sólo se alimenta de asesinos sosainas, victimas pechugonas y fantasmas nipones, sino que puede/debe ser reflejo crítico de su momento histórico. En opinión de este crítico el capítulo de Coscarelli está al nivel de otros más elogiados como los de Dante y Carpenter, siendo uno de los más conseguidos de la serie. Lamentablemente, el hecho de que Coscarelli, a diferencia de sus famosos colegas, sea un cineasta ignorado por unos y estigmatizado por otros repercutirá negativamente en la valoración crítica de este film.
Haeckel’s Tale es el telefilm más delirante y bizarro de la primera temporada de Maters of Horror junto con Imprint, de Takeshi Miike. El guión del mismísimo boss Mick Garris, artífice y creador de la serie, está basado en un relato homónimo de Clive Barker que cerraba la reciente antología de autores variados “Dark Delicacies” (publicada por la editorial Carroll & Graf, compilada y prologada por Dell Howison & Jeff Gelb, y que lleva por subtítulo “Original Tales of Terror and the Macabre by the World's Greatest Horror Writers”, e inédita en España, cómo no) y constituye así una manera más que justa de que el escritor y director autor de clásicos como “Hellraiser” (1986) o “Razas de noche” (Nightbreed, 1990) tenga al menos una presencia testimonial entre los “maestros”. El relato en cuestión es un pastiche equidistante entre la afectación gótica y el penny dreadful más descarado y grotesco, en el que un arrogante Frankenstein en busca del secreto de la vida acaba viéndose mezclado en una demencial noche de sexo con zombies. A aquel lector que en este momento me odie por destripar así el argumento, le he de dar la razón y le pido disculpas, pero no se me ocurre ninguna otra forma de describir esta locura sin hablar claro. Respecto a la adaptación de Garris, su entrenamiento de años siéndole fiel a su amigo Stephen King, le han servido para estar aquí igual de aplicado y leal al texto, pero King y Barker son dos escritores muy distintos, y el cineasta no le ha terminado de coger el punto a las variopintas constantes del escritor de Liverpool, en especial su aficion al sexo raro y ese tonillo en el que uno nunca puede separar hasta donde es humor y hasta donde habla en serio, lo que se traduce en que este Masters of Horror empieza de una manera, prometiendo que va a ser una cosa muy formal, y termina en chascarrillo digno de Tales from the Crypt, epílogo incluido.
Argumento Del Director de "Henry, retrato de un asesino" y "Juegos Salvajes": Cuando Ernest Haeckel busca aislarse en medio de la naturaleza, en una remota cabaña en los bosques de Nueva Inglaterra, sólo recibe una explícita instrucción por parte de su casero: no importa lo que oiga, no puede salir de la cabaña. Pero Haeckel oye los llantos de un niño entremezclándose con horripilantes sonidos guturales, y desobedece la orden, pasando a verse inmerso en el mundo de los muertos. Basada en un relato de Clive Barker.
Ficha Técnica Pais: USA Año: 2006 Duración: 59 min. Dirección: John McNaughton Guión: Mick Garris Intérpretes: Derek Cecil, Leela Savasta, Tom McBeath, Steve Bacic, Gerard Plunkett, Micki Maunsell, Jon Polito, Jill Morrison
Así, la primera parte del capítulo es recargada y atmosférica, y nos trae ecos de la historia de los ladrones de cadáveres William Burke y William Hare, inmortalizados en el relato de Robert Louis Stevenson (adaptado al cine en los cuarenta por Robert Wise en una de aquellas maravillosas producciones Val Lewton para RKO: The Body Snatcher), tanto como de la celebérrima novela de Mary Shelley y otros referentes de las tradiciones gótica, romántica y victoriana. A continuación se comienzan a introducir elementos más extravagantes, el arrongante antihéroe romántico resulta más metepatas de lo esperable, y se inicia un viaje hacia lo grotesco y lo surreal que serpentea por territorios limítrofes entre el cuento de hadas oscuro (no extrañaría nada encontrarse también la casa de chocolate de una bruja) y la fantasía pre-surrelista de "El manuscrito encontrado en Zaragoza" del conde Potocki. Pero finalmente,y como ya se ha dicho, todo se deriva hacia el tono de los cómics de la EC y el humor pachanguero de su (última) adaptación televisiva: "Historias de la cripta". Lamentablemente, el arco descrito por cada una de las fases es muy fácil de clasificar en cada punto, y su trayectoria descendente de manera muy clara, por lo que la impresión que queda al final es la del chistecito, y todo lo visto se revela muy insatisfactorio. Tan insatisfactorio, que por lo que a mí respecta estamos ante otro de los capítulos flojos de "Masters of Horror", no tanto por su locura, ya que no encuentro nada malo en la locura en sí, sino por esa tendencia a aparcar elementos y a la reducción, aunque sea a la reducción al absurdo.
Previsto en un principio para que lo dirijiese George A. Romero, al apearse éste de la serie (por problemas de calendario) se echó mano al "banquillo", dijo sea sin ningún tipo de menosprecio. John McNaughton es el clásico caso de director sobrepasado por su mayor éxito, que para colmo era también su opera prima: Henry, retrato de un asesino (Henry: Portrait of a Serial Killer, 1986). Con un arranque así, una carrera no puede hacer otra cosa si no decaer e instalarse para siempre por debajo, como un atleta adolescente que batiera una plusmarca la primera vez que corre, y cuya trayectoria posterior, años y años de esfuerzo, sólo deparase eventuales victorias sin sabor a inmortalidad. Este encasillamiento será injusto, pero no de balde: “Henry” es una de las películas más determinantes en la historia reciente del cine de terror, y uno de sus mejores films en décadas, por no decir de siempre. No hay que extrañarse por lo tanto si veinte años después los nombres de director y película siguen ligados de manera inexorable, y que si bien en la obra posterior de McNaughton sólo volvió a acercarse otra única vez al género, en “Mutación asesina” (The Borower, 1991), todavía se le considera, más con el instinto que con la cabeza, “uno de los nuestros”. Ha sido todavía por “Henry” que le hayan invitado a estar aquí, en Masters of Horror, y no por las muy estimables “La chica del gangster” (Mad Dog and Glory, 1993), “Juegos salvajes” (Wild Things, 1998) o un estudio de personajes tan apasionante como “Normal Life” (1996). Con todos los honores, imposible que sea menos merecido, el director se ha avenido a recoger otro premio, la corona de laurel de estar en esta serie, y se ha vestido de lo que es y siempre será: el director de “Henry, retrato de un asesino”, para juguetear complaciente con el género de terror, apuntarse un trabajo televisivo más de los que le dan de comer en los últimos años, y de paso divertirse un poco, como sólo se puede divertir uno cuando le cae en las manos un disparate de historia como la que acabamos de ver...
William Malone, (reconozco que no sabía que este tipo dirigía ningún episodio de la serie) director hasta la fecha de productos de terror para todos los públicos bastante dados al bostezo como “House of Haunted Hill” o “Miedo punto com” es el encargado de sumergirnos en este nuevo capítulo de oscura ficción
Arguemnto Tara es raptada al salir del instituto. Despierta en lo que parece un sanatorio pero en realidad se trata de una mansión victoriana. Los dueños de la casa la encierran en el sótano dónde un joven llamado Jhonnie se encuentra sólo, el chico no puede hablar pero poco a poco van comunicándose a través de gestos y éste le explica a la chica el peligro que corre permaneciendo allí, él es tan sólo un recipiente corpóreo para que el alma del hijo del matrimonio dueño de la casa, (el cual murió ahogado años atrás) vuelva a cobrar vida. Para ello doce niños han de ser sacrificados en cada aniversario del primogénito, una criatura del averno se encarga de matar a los menores, según lo pactado con el príncipe de las tinieblas. El joven conseguirá mediante una negociación con Lucifer cambiar la vida de los doce niños por las dos de sus progenitores, salvando así a la chica.
Ficha Técnica Pais: USA Año: 2006 Duración: 55 min. Dirección: William Malone Guión: Matt Greenberg Intérpretes: Lori Petty, Lindsay Pulsipher, Jesse Haddock, William Samples
El comienzo es impactante e inesperado, primero un hombre atropella a una estudiante y la introduce en la parte de atrás de su furgoneta. Fundido en negro. La joven aparece en la habitación de un supuesto sanatorio y una mujer se hace pasar por enfermera, aunque todos sabemos que no lo es, la frialdad clínica de la sala donde Tara es interrogada sobre su historial médico parece sacada de la peor de las pesadillas, el cuestionario aparente normal pronto dejará entrever oscuras intenciones, entre las clásicas preguntas del tipo: ¿Tienes alguna enfermedad sanguínea?, se cuela una violenta: ¿Has mantenido alguna vez relaciones sexuales?, para más tarde acabar provocando el pánico con un… ¿Has sido bautizada? El oscurantismo parece ya inevitable en el devenir de la historia. La estudiante intenta escapar, se asoma a la ventana y grita auxilio llena de angustia pero nadie la oye, se encuentra encerrada en mitad de ninguna parte.
No menos truculento es el sótano donde la encierran a continuación, no hay indicios de ventana ni ventilación alguna en este lugar mohoso y polvoriento lleno de huesos, donde un joven intenta suicidarse con una soga al cuello, las paredes están llenas de inscripciones que avisan del peligro que corren los huéspedes de tan siniestro agujero, no hay salida, la tensión comienza a crecer, las puertas a otras habitaciones sólo contienen más desesperanza, restos de cadáveres y sangre esparcida en cada rincón son signos inconfundibles de que la muerte acecha y está ya muy próxima. La terrorífica sorpresa, precedida por los espasmódicos movimientos del chico, llega en forma de un ser alopécico de baja estatura y afilados rasgos que sube de las profundidades del averno para cobrarse la recaudación del maligno en forma de vida humana.
A partir de aquí la lucha por la supervivencia será ardua cuanto menos, una indefensa mortal contra un monstruo salido de las tinieblas, sin embargo, el mudo huésped parece tener voz en esta guerra, él es el continente que espera la llegada de un alma que vaga por el purgatorio o yace ya en el mismo infierno. Advierte a Tara de lo que va a pasar, a pesar de todo la incontenible bestia infernal acaba por devorarla.Finaliza el ritual y el añorado hijo pródigo vuelve a la vida gracias a la sangre derramada, sus padres recuperan la felicidad y la cordura antaño perdidas, sin embargo Johnnie no parece muy agradecido con el gesto que han hecho por él, ha llegado a un acuerdo con Belcebú para cambiar las vidas de los doce niños por las de sus dos progenitores los cuales se topan cara a cara con el poder de las oscuridad que acaba trágicamente con sus vidas. La joven estudiante vuelve a la vida, no recuerda nada, ya que Johnnie la a sedado para que sus terribles recuerdos no la hagan caer en shock y vaya recoradando poco a poco. La escena final llena de luz contrasta con la atmósfera sombría del resto del film, los dos jóvenes pasean por el jardín en un día soleado mientras dejan a su paso la tumba de los padres de Johnnie.La actitud maquiavélica de los destrozados progenitores plantea una clara pregunta, ¿la vida de un hijo está por encima de todo?, ¿justifica la vida de nuestro retoño matar a todos los niños que sean necesarios, para devolvernos su ansiada presencia? Aunque en el film se trate desde un punto de vista fantástico y exagerado, esta idea siempre ha estado presente en la vida del ser humano, (un claro caso en el mundo contemporáneo es el tráfico de órganos) La película está claramente en contra de esta idea y prueba de ello es que los progenitores se presentan como los malvados de la función, ella una demente, fría, cruel y manipuladora, él una sombra de lo que fue, débil y atribulado, continúa culpándose por la muerte de su hijo por no saber nadar y no poder rescatarlo, desde entonces ella lo maneja a su voluntad para dejar que el terrible pacto siga cumpliéndose cada cumpleaños.
El punto más flojo de la cinta son los flasbacks que recuerdan la muerte del joven, parecen querer emular cromática y dramáticamente a ciertas películas de Ingmar Bergman como “El séptimo sello” o “La hora del lobo”, cayendo en el ridículo más absoluto, más que un homenaje cinéfilo al maestro sueco, consiguen una parodia “chanante” de estas obras maestras.
La película posee una loable atmósfera enrarecida, sustentada fundamentalmente por la presencia de la madre del chico, su extremada delgadez, su pálido rostro, sus cortos cabellos, unidos a su fría y secante actitud componen un personaje realmente escalofriante.El resultado final del metraje es correcto, se echa en falta no obstante más personalidad tras las cámaras, una cinta de género debe ser más visceral, sobre todo si es de terror, la interesante y macabra historia se ve truncada en parte por ese aire mainstream y esa fotografía de telefilm barato, ¡lástima!.
Argumento Walter es un estudiante que se va a vivir a una destartalada casa. Allí conocerá a Frances, una joven con un bebé a la que ayudará economicamente. Una noche Walter empieza a soñar que una pared de su habitación se abre y sale una rata con cabeza humana. Un viejo que vive en el piso de abajo le advierte que en esa habitación vive una bruja.
Ficha Técnica Pais: USA Año: 2005 Duración: 55 min. Dirección: Stuart Gordon Guión: Dennis Paoli Intérpretes: Ezra Godden, Jay Brazeau, Campbell Lane, Chelah Horsdal
Dreams in a Witch-House es el único episodio de la primera temporada de Masters of Horror basado en un relato de Howard Phillips Lovecraft. Inspirándonos en el misterioso escritor de Providence, podríamos sostener que tras la particular relación que han mantenido este autor y el séptimo arte ha sobrevolado siempre la sombra de una inexplicable maldición cósmica que ha propiciado, como resultado, que la mayoría sean películas bastante flojas, cuando no directamente bodrios infumables. Por otro lado y siendo un poco más rigurosos, deberíamos advertir que el insólito, singular, hermético y fascinante universo que creara Lovecraft es poco menos que imposible de trasladar a la gran pantalla.
Así de demoledor se presenta el que es para muchos el mejor capítulo de "Masters of Horror", hasta la fecha. Joe Dante (autor de "Gremlins" y "Aullidos", entre otras) es su director, que adapta un guión de Sam Hamm (escritor de los Batmans de Tim Burton).
Argumento: Del directo de Gremlins y The Howling. Es tiempo de elecciones en Estados Unidos. Mítines, ruedas de prensa, enfrentamientos verbales televisados, todo funciona sin tregua como si de un reloj suizo se tratara. Todo, hasta que uno de los representantes de cierto candidato que podría ser reelegido (¿hace falta mencionar su nombre?), dice algo tan aparentemente inofensivo como profundo: si pudiese expresar un deseo, afirma, este sería que todos los caídos en la guerra de Irak (y en todas las guerras que su país ha llevado a cabo) pudieran volver para afirmar lo honrados que se sentían por haber muerto defendiendo los principios y los colores de su bandera. La frase causa tanto impacto, que el mismo candidato (la verdad, si no es un vídeo del mismo Bush el que ponen de fondo, es de un actor cuya voz es muy parecida) la usa en uno de sus mítines. Dicho y hecho, como si de un cuento de hadas se tratase, los muertos reviven (ojo a las potentes imágenes de las tumbas decoradas con la bandera de barras y estrellas abriéndose) con la intención de iluminar al público con la pura y horrible verdad. Están cansados de morir por mentiras, y quieren cambiar la situación de una vez por todas como todo buen americano: acudiendo a las urnas. ¿Valdrá el voto de un no-muerto?
Ficha Técnica Pais: USA Año: 2005 Duración: 58 min. Dirección: Joe Dante Guión: Mick Garris Intérpretes: Jon Tenney, Thea Gill, Wanda Cannon, Terry David Mulligan,Robert Picardo, Beverley Breuer, Dexter Bell
Cada vez resulta más difícil encontrar un producto que entretenga a la vez que remueva algo en los cráneos de los espectadores. Por lo tanto, resultaba bastante inimaginable encontrarse con la excepción a la regla precisamente aquí, en una serie de mediometrajes destinados a la televisión, de aparente "serie B".Pero así es. "Homecoming" supone una hora de entretenimiento puro y ascendente, en que el humor varía desde lo más burdo hasta el cinismo más negro, pero cuyo visionado obliga al espectador a, por lo menos, plantearse una serie de debates morales.
Completamente diferente, aunque aún así también importante para disfrutar del telefilm, es el dilema que supone aceptar que lo que aparecen NO son zombies. Quien vaya con la idea de ver cadáveres putrefactos de cerebros casi vacíos comiendo carne humana quedará enormemente decepcionado. Quedando avisados sobre este aspecto, solo me queda recomendar encarecidamente el visionado de esta sátira política, tan potente como entretenida, tan mordaz como bizarra (ojo al "Guantánamo para muertos"). Joe Dante es y seguirá siendo un referente de la serie B. Ojalá, como bien dice Hombre Lobo, esta pequeña genialidad sea la puerta de entrada al retorno de Dante a la gran pantalla. Crucemos los dedos.
Macabra, sádica y deliciosa historia de demencia ¿o he de decir lucidez? criminal. La caza de la presa es un arte, y los refinados psicópatas protagonistas lo saben, las muertes han de ser lo más estilizadas posibles, el asesinato considerado como una de las bellas artes, la muerte es la culminación de la vida y la sangre la pintura con la que llenar el lienzo. El asesinato practicado como sano deporte, requiere entrega, inteligencia y dedicación, no basta con disparar (aunque a veces no quede más remedio para no dejar escapar a la presa) o apuñalar, se trata de crear, la atmósfera es importante y la tortura indispensable, ya sea física o, mejor aún, psicológica, la víctima ha de sufrir, sentir la angustia previa a la aniquilación violenta de su existencia, ha de correr, suplicar piedad, para finalmente exhalar exhausta su último aliento. No hay mayor deleite para el cazador que contemplar orgulloso la sumisión de su presa mientras es castigada sin piedad.*
Argumento Del director de The Stuff, It's Alive, A Return to Salem's Lot. Un autobus de pasajeros pincha en la carretera. Stacia decide irse por su cuenta haciendo autostop, mientras que otros 2 pasajeros se van con un camionero psicopata y el resto se encuentran con otro joven, también psicopata. La rivalidad entre los dos acaba de empezar.
Ficha Técnica Pais: USA Año: 2006 Duración: 58 min. Dirección: Larry Cohen Guión: Mick Garris Intérpretes: Fairuza Balk, Warren Kole, Michael Moriarty, Laurene Landon, Malcolm Kennard, Tom Pickett,Peter Benson,Kristie Marsden, Michael Eklund
No estamos pues ante el típico slasher anglosajón con asesino sobrenatural dónde los muertos van cayendo uno a uno sin más. Sin llegar al barroquismo propio de los maestros italianos (que alcanzarían su cima con las cintas de Dario Argento y Lucio Fulci), las muertes de “Pick me up” gozan de gusto y variedad, nos encontramos ante un rico catálogo de asesinatos: estrangulamiento, decapitación, tortura silvestre, acuchillamiento en horizontal, clásico y efectivo degollamiento, hasta llegar al clímax final dónde los dos asesinos luchan cuerpo a cuerpo por acabar con la vida de su víctima, aunque esta vez nos quedaremos sin crimen.Los diálogos de la película son tremendamente punzantes, llenos de fina ironía, humor negro y cinismo. El personaje interpretado por Moriarty tiene escenas memorables, como la que se produce en el interior de un bar en la que intimida a un camarero sacando su pistola y haciéndole sentir el poder y seguridad que otorga un arma. Su joven pupilo no le va a la zaga, los monólogos que tiene con sus víctimas antes de enviarles al otro barrio son sencillamente brillantes.
La película transcurre prácticamente en su totalidad en exteriores, la mayor parte en la carretera, el paisaje es verde, poblado de árboles, seguramente en algún punto cercano a la frontera con Canadá, los inmensos bosques están totalmente deshabitados, los planos cenitales que sobrevuelan los mismos dan una sensación de empequeñecimiento del individuo ante la naturaleza, en estos terrenos impera la ley del más fuerte, no hay policía en kilómetros a la redonda, las únicas edificaciones son áreas de servicio que se suceden cada quince o veinte millas, nos encontramos lejos de la civilización, no hay leyes que protejan al individuo, la naturaleza en su estado más puro es la más aterradora e irracional de las amenazas.Gran trabajo de montaje, el ritmo del film no decae en ningún momento, todo el metraje está salpicado por agresivas y contundentes sorpresas que pegan al espectador a su butaca, especialmente reseñable es el giro final (comentado ya en la sinopsis) después que el copiloto de la ambulancia asesine a los dos psicópatas y amenace a la chica, se muestra un plano general en el que la ambulancia se va alejando hasta adentrarse en una niebla que la hace desaparecer, como si el trayecto al infierno acabara de comenzar, final onírico para una pesadilla de fríos sudores.La planificación es excelente, todas las escenas están magníficamente rodadas, llaman especialmente la atención la decapitación (usando como guillotina la puerta del maletero del autobús) dejando el limpio corte en fuera de plano, la persecución en el bosque con reminiscencias de “The texas chainsaw massacre” (Tobe Hooper, 1974) y el plano cenital que muestra como los tres protagonistas se encuentran en el mismo motel en habitaciones contiguas sin saberlo. He de alabar también el gran trabajo realizado por Howard Berger y Gregory Nicotero con los efectos visuales. La escena final del trailer y como los dos psicópatas salen disparados por la luna delantera es cinematográficamente perfecta. No se escatima en el uso de la sangre, pero tampoco se abusa del líquido rojo para buscar el terror o la nausea.* Siempre dentro de los límites de la ficción, que nadie se confunda.
Contratar a John Landis para una serie supuestamente de terror indica bien a las claras que el requisito fundamental para formar parte de Masters of Horror es que el capítulo de turno pertenezca al fantástico, independientemente de que cause escalofríos o produzca la risa. En este caso, Landis sigue, para bien o para mal, la línea de su discreta Un hombre lobo americano en Londres (hay una referencia explícita a la película), de manera que tiende decididamente por el humor a partir de una premisa de aparente terror.
Arguemnto Del director de An American Werewolf in London e Innocent Blood Dwight Faraday es un policía en un extraño caso de asesinato. Varios hombres han aparecido muertos y todos tienen algo en común: todos fueron asesinados en estado de excitación por un asesino que parece ser mitad mujer mitad ciervo.
Ficha Técnica Pais: USA Año: 2005 Duración: 57 min. Dirección: John Landis Guión: MaxLandis Intérpretes: Brian Benben, Anthony Griffith, Cinthia Moura, Sonja Bennett, Julian Christopher, Don Thompson, Alex Zahara
John Landis dirige este quinto capitulo (En la versión en México) y aunque no retomando completamente el terror, si toma un camino agradable la serie después del tropiezo de "Chocolate" de Mike Garris (Creador de esta serie de terror). La historia es muy simple al igual que el guión. Sin embargo retoma un mito bastante olvidado y alejado de los estereotipos de terror actual. Las leyendas nativo-americanas tienen una riqueza de criaturas y bestias bastante interesantes. En esta ocasión también se une con el tremendo humor que caracteriza a Landis (Creador de la obra maestra "An American Warewolf in London" y Thriller Michael Jackson). En un breve comentario creo que avanza demasiado rapido debido al formato televisivo pero sin duda la historia daba para un poco más de suspenso y justificación. Sin embargo aunque la misma naturaleza de su creación sea la televisión la calidad es muy buena, sobre todo por el excelente manejo tecnico de la cámara y la fotografía oscura y correcta.Deer Woman es un film bastante agradable. Entretenido que no sólo nos cuenta una leyenda en la sociedad actual sino que contrapuntea con la vida de un detective frustrado.
En este apartado, debo recalcar las actuaciones generales. Todos hacen un papel excelente además de contar con dos mujeres bellísimas. Una interpretando a la "mujer-venado" y otra como un medico forense con piercings (sensual). Los policias con dialogos tipicos de policias pero siempre cargadas de comedía y frustración.El desenlace no es malo pero si apresurado. Lo increible y díficil del film es que recurre a lo absurdo e injustificado para contar la historia. Es díficil por que a veces se fracasa usando este elemento, sin embargo Landis lo hace de maravilla y nos deja disfrutar de la trama con tranquilidad. Una frase que resume esto es cuando el mesero del casino indio dice: "¿Por qué todo tiene que tener justificación o explicación?!-
Mirar a través de los ojos de alguien más puede acercarnos a facetas desconcidas de uno mismo. La mayoria de la gente vive mirando con los ojos de alguien más, intentando no aceptar que la vida propia es una trágedia y creemos que al tener la perspectiva de alguien externo la vida podría de alguna manera tener sentido
Argumento Del director de The Fly II, Psycho IV: The Beginning. Jamie es un hombre recién divorciado que trabaja con saborizantes artificiales. Él comienza a experimentar -inexplicablemente- imágenes de lo que percibe otra persona: Vistazos, aromas, sonidos, sensaciones. Cuando descubre que es una mujer, comienza a enamorarse de ella por lo que siente a través de sus pensamientos... pero desconoce que abrir puertas a otras mentes pueder ser la experiencia más aterradora (¿?) de su vida... y de su muerte.
Ficha Técnica Pais: USA Año: 2005 Duración: 60 min. Dirección: Mick Garris Guión: Mick Garris Intérpretes: Henry Thomas, Matt Frewer, Stacy Grant, Jake D. Smith, Lucie Laurier, Paul Wu, Katharine Horsman
Cuarto capitulo de la serie norteamericana “Masters of Horror” creada por Mick Garris (Psycho IV (1990) y Critters 2(1988)) quien también dirige este mediocre episodio. Realmente Mick Garris no es alguien que me agrade demasiado, a pesar de ser uno de los rostros importantes dentro del cine de terror. Creo que lo mejor que ha hecho es tener la idea de juntar a tan grandes cineastas y crear una serie. En esta ocasión la historia basada en un relato corto del mismo director nos muestra a un terrible protagonista interpretado por Henry Thomas (el pequeño de E.T.) quien nos va relatando los “terribles sucesos” que lo orillaron a cometer un asesinato. En primer plano aparece cubierto en sangre en lo que parece ser un interrogatorio policial. La historia desde el principio tiene una sensación de error y no sólo de forma argumental sino que la calidad del episodio en inferior a la cinematografía de Coscarelli o Carpenter. El capitulo es meramente algo televisivo sin más adornos que la música que me parece lo más atrevido del episodio.“Chocolate” no sólo no es una historia de terror y un capitulo bastante flojo, también como narrativa deja cabos sueltos y agrega personajes nada irrelevantes, no explica lo paranormal de la conexión psíquica y tampoco logra condensar la creación de personajes que en partes se antojan cómicos y en momentos sobre actuados. En algunos puntos resulta interesante e innovador sin embargo en esos momentos Garris decide no profundizar y termina filmando una seudo-película de who knows what?Como ya mencione las actuaciones son bastante regulares, Henry Thomas se ha convertido en el actor predilecto de Garris y no puedo imaginar más que se debe a una buena amistad entre ambos o una aceptación de su falta de talento. Los demás personajes lo hacen aún peor y decir que un par de ellos sobra y tan sólo son añadidos para rellenar el vacío de la historia en cuanto a justificación.Por ahí también podemos encontrar un guiño al ídolo de Mick Garris: Stephen King en donde aparece la portada del libro “Desperation” la cual ese mismo año Garris dirigió y adaptó y Thomas protagonizó.
En general la trama es muy confusa y se pierde, no logra cuajar en un thriller detectivesco con tonos eróticos y menos logra capturar un misterio o suspenso que atrape al espectador. La extraña unión mental entre el protagonista y la mujer no es explicada en ningún momento, ni siquiera se ahonda en el tema y el final es un desastre.
Aunque considerado en general como uno de los episodios más flojos de la serie, Dance of the Dead posee no pocos elementos de enorme interés, sobre el papel y en su plasmación. Se podría decir que a pesar de lo fallida de la apuesta, este capítulo formaría parte importante de la reciente regeneración del nombre de Tobe Hooper, reconocido como un master of horror al lado de otros ilustres compañeros de generación, como John Carpenter, Dario Argento o Larry Cohen. Pero al igual que esta recuperación a la que hacemos referencia, Dance of the dead nos devuelve a un Hooper a medias, pequeño, finalmente deslucido y que no termina de funcionar.
Argumento Del director de Poltergeist y La Masacre en Texas. Después de la tercera guerra mundial, muchas ciudades han desaparecido y mucha gente ha muerto en la guerra. Peggy regenta un café con su madre en una de la zonas habitables de la ciudad mientras tratan de reponerse a la muerte del padre y la hija mayor. Un día aparecen en café unos jovenes que pertenecen al lado oscuro de la ciudad y Kate los echa, no sin que antes Jak, uno de ellos, consiga una cita con Peggy esa noche para enseñarle la parte oscura de la ciudad y la macabra "danza de la muerte".
Ficha Técnica Pais: USA Año: 2005 Duración: 59 min. Dirección: Tobe Hooper Guión: Mick Garris Intérpretes: Jonathan Tucker, Jessica Lowndes, Ryan McDonald, Marilyn Norry, Lucie Guest, Robert Englund, Margot Berner,Erica Carroll
Para mi la PEOR de la temporada. Que el autor de una de las películas más importantes e inspiradas de la historia del cine de terror como es La matanza de Texas (The Texas Chainsaw Masscare, 1974) fuera un maestro del terror, habría sido un hecho indiscutido si la cuestión se hubiese planteado hacia 1986, cuando el director acababa de finalizar la secuela oficial de su imitadísima opera prima: La matanza de Texas 2 (The Texas Chainsaw Massacre 2). A su espalda quedaba una estela de perlas de lo macabro como son Trampa mortal (Eaten Alive, 1977), la miniserie El misterio de Salem's Lot (Salem's Lot, 1979), La casa de los horrores (The Funhouse, 1981), la producción spielberiana Poltergeist (1982) o Lifeforce: fuerza vital (Lifeforce, 1985), que si bien nunca llegaron a la irrepetible genialidad extremecedora de "La mantaza de Texas", sí volaban a alturas elevadas y tienen sus propios lugares en la historia del género. Sin embargo, algo pasó a continuación, algo inconcreto, como uno de los mayores misterios de éste, nuestro mundillo. y Tobe Hooper comenzó a no dar ni una a derechas, abriendo una etapa oscura, decadente y aburrida de casi dos décadas de duración, en las cuales el director perpetró bodrio tras bodrio, mezclando trabajos televisivos no muy destacables (flojos capítulos de "Cuentos asombrosos", "Las pesadillas de Freddy", "Cielo negro", "Al otro lado", etc) con películas cada vez más próximas al formato telefilm, anodinas y muy vulgares, como "Combustión expontanea" (Spontaneous Combustion, 1990), "Peligrosa de noche" (I'm Dangerous Tonight, 1990), "The Mangler" (1995) o "Crocodile" (2000). Hace apenas dos años ya nadie daba dos centimos por Hooper, las rentas de "La matanza de Texas" estaban más que agotadas, y la santa paciencia de sus fans asesinada con el veneno del aburrimiento de una larguísima espera sin objeto. No se trata, como en algunos casos (Sam Raimi, Peter Jackson, etc) de que el realizador hubiese cambiado de género o de estilo, ni como en otros (George A. Romero) de que durante bastantes años no consiguiera rodar apenas nada, se trata más bien de una fase de pasmosa y femomenal falta de inspiración, de un caso de cancer de creatividad, quizás de un tedio de corte depresivo. Nunca lo sabremos, y menos aún lo entenderemos. O sí, no descartamos el hablar algún día con él y desentrañar juntos esta época en negro. Como fuere, de 2004 a esta parte existen ciertos signos de desperezarse tanta fatiga, no de una recuperación a lo grande, tal vez Hooper no volverá jamás a hacer una película como "Lifeforce" siquiera, pero sí una tímida mejoría mediante la cual el otrora Rey del Terror se reciclaría en un mero guerrero del cinema bis de consumo, un trabajador del horror capaz de nutrir las estanterías del videoclub de productos por lo menos entretenidos o poseedores de algunos elementos remarcables, como constatan sobre todo la infravalorada The Toolbox Murders (2004 me niego a llamarla por su título español de distribución) o algo menos Mortuary, su film de 2005. La carrera de Tobe Hooper en este punto se podría representar en una parábola inclinada que le conduciría de un altísimo Olimpo, en el que habría estado con los dos primeros compañeros citados al final del primer párrafo, Carpenter y Argento, a una situación simpática y artesanal en la que se podría juntar con el tercero, Larry Cohen, y ello pasando por el erial de su peor época. La mejoría de nuestro director lo es sobre todo en las formas, los contenidos siguen sin aportar gran cosa, no hay revoluciones ni evoluciones, pero desde "The Toolbox Murders" nos hemos reconciliado con un maestro de los ambientes lúgubres y sórdidos, alguien que sabe poner en escena un mal sueño. Por ese gesto sabemos que es el mismo, a pesar de todo, porque todo el mal rollo de "La matanza de Texas", "Trampa mortal" o "La casa de los horrores" está de nuevo en el edificio de "The Toolbox Murders" o en el sótano de "Mortuary". Si no hay otra cosa, por lo menos hay eso, que no está mal. En esas aparece Dance of the Dead, tercer capítulo de Masters of Horror, que cuenta con el aliciente de que el guión está escrito por Richard Christian Matheson, hijo de Richard Matheson y prestigioso escritor de relatos de terror también él por su parte, aunque aquí se base afectuosamente en un relato corto de su padre. El punto de partida del film es bueno: nos introduce con apenas tres pinceladas en una sociedad post-apocalíptica que acaba de sobrevivir a una guerra con armamento químico que habría detonado una especie de epidemia zombie a la que los supervivientes han aprendido a adaptarse. Peggy es una joven inocente que vive con su dominante y paranoica madre atendiendo con artificial cotidianidad una cafetería que parece aislada en medio de la enfermedad y la locura, como el edificio de vecinos de Delicatessen (1991, de Marc Caro y Jean-Pierre Jeunet). La llegada de dos punkies cazadores de sangre de ancianos (Jonathan Tucker y un alucinado Jack Black) que luego venden para fabricar antídotos contra la epidemia, desvarata por completo su realidad; atraída por uno de ellos, despierta en ella el ansia de libertad y de ver el mundo real. El chico, rebelde y superviviente, le enseña el placer de la evasión de las drogas, y la lleva a The Doom Room, un antro regentado nada más y nada menos que por Robert Englud, maestro de ceremonias de un espectáculo sádico con el que la gente, insensibilizada, se desahoga: la llamada "danza de los muertos", que no es otra cosa que los espasmos de los zombies, a los que burlonamente llaman loopis, impotentes e inofensivos, antaño personas como las demás, al son de descargas elécticas que les hacen agitarse hasta en el suelo... La historia maneja muchos elementos y muy impactantes. De todos los capítulos de "Masters of Horror" éste es quizás el más oscuro y enfermizo, desde luego el que maneja un background más profundo, con una estética guarra que hace creible ese futuro desolador, y escenas tan inolvidables como la de esos empleados de limpieza que llevan pilas enteras de cuerpos de loopis todavía vivos, desnudos, con los ojos abiertos y las bocas gritando, y los arrojan en contenedores de basura a los que luego prenden fuego. O tan fuerte como el concepto ven sí de la "danza de los muertos", el deprimente patetismo del contoneo de los zombies, la euforia de la masa ansiosa de carnaza y diversión inconsciente, como los que disfrutan con un linchamiento o un espectáculo de maltrato animal. Un mundo triste, deprimente, en el que los vivos carecen de toda esperanza y solo se evaden, en el que han asimilado como normal la convivencia con los loopis o con los quemados afectados por las armas químicas.
En la historia se detectan algunos elementos de "Soy leyenda", la novela de Richard Matheson el padre, y tal vez podría desarrollarse en el periodo anterior a lo narrado en el libro, durante la decadencia y extinción de la humanidad y mientras se está creando una nueva raza, los vampiros, o llámense loopis o como se quiera. La atmósfera cyberpunk contribuye a que todo parezca una pesadilla, y en esto Tobe Hooper vuelve a ofrecer una clase práctica de lo que constituye el fuerte de su talento. En realidad, en todo el capítulo apenas si se vislumbran un par de callejuelas de suburbio de lo más normales, el decorado de la cafetería y cómo no, The Doom Room, que podría ser cualquier discoteca de gótico o de metal de nuestros días. Sin embargo, existe una cualidad malsana en "Dance of the Dead", conseguida a través de la foto, la puesta en escena y el storyboard, que sugiere mucha más mugre de la que se muestra en el plano, al igual que en "La matanza de Texas" se imprime en la mente del espectador mucho más gore y salvajismo de lo que en realidad se ve de manera explícita, y que contagia una impresión de repugnancia, de malestar ante lo que se sugiere aunque no se ve. En "Dance of the Dead" están algunas de las piezas más valiosas de toda la serie "Masters of Horror", y varias de sus mejores secuencias. Si el capítulo, como paradoja, no destaca en su resultado final, es por culpa de un par de decisiones erradas, típicas en el quiero y no puedo de este nuevo Hooper: por un lado, toda el poder opresivo de su guión se derrocha en un desarrollo que no representa más que una típica historia de conflicto generacional, con "rebeldes sin causa" incluidos. Es decir, todo el escenario creado, toda la tensión y el agobio generados en ese infierno apocalíptico, sirve al final como marco para una historia que no tiene todo el interés que debiera. En segundo lugar, Tobe Hooper ha querido jugar aquí con el montaje a dárselas de una modernidad insólita en él y completamente equivocada. El plano hipercorto, la transición sincopada, la imagen que tiembla, el fotograma que zumba, como si el americano se hubiese empapado de los peores vicios repetitivos de nuestro Balagueró o creyera estar trabajando para "C.S.I.".
Una fotografía fría y metal se alia con estos experimentos para reforzar la evocación de videoclip, impresión reforzada por la machacona musica cañera de rock industrial compuesta por Billy Corgan, el que fuera lider del grupo The Smashing Pumpkins, y que también hace un cameo en la película "berreando" como lider del grupo que toca en vivo en The Doom Room. Un look post-industrial, sí, que rememora la música de grupos como Front Line Assembly o Fear Factory. Como un traje feo hecho de patrones perfectos, el cómputo final, entre aciertos parciales y fallo generalizado, es un tanto pálido y agridulce, aunque para mí aprobado.
Sick Girl es la decima cinta de Masters of horro. Interesante historia de un insecto parasito con muy mala leche. El que no hayan usado efectos digitales y sea todo fisico le da un toque diferente y ochentero muy bueno. Una mujer que trabaja con insectos recibe uno muy extraño, que al final resulta ser muy peligroso. Las interpretaciones justitas pero bien y la historia mejorable en ciertos aspectos pero se hace entretenida.
Argumento Del director de May y The Woods. Ida, una entomóloga obsesionada con el objeto de su estudio, los insectos, conoce a una chica llamada Misty, que habitualmente se sienta a dibujar cerca del laboratorio donde trabaja y con la que comenzará un affair. Por otro lado, Ida recibe en su domicilio un paquete que contiene una especie indeterminada de insecto. Ella no quiere espantar a Misty, tal y como ocurrió con sus anteriores conquistas, y por ello trata de esconder su colección de insectos, pero su nueva y desconocida adquisición logrará escapar de su caja…
Lucky McKee es joven (o eso me gusta pensar a mí, que soy un pelín mayor que él), dirigió “May” (2002), la película con la que se dio a conocer, con sólo veintisiete años, y sin contar este Masters of Horror para televisión, desde entonces sólo ha hecho otro largometraje: El bosque maldito (The Woods, 2006). Dos películas son pocos argumentos materiales para poder afirmar que estemos ante un verdadero maestro del horror, y su definitiva influencia y posición dentro del género aún está pendiente de determinarse en función de lo que haga en los próximos pasos. Sí que parece pertinente, sin embargo, decir aquello de que es una de las más frescas e interesantes promesas de la actualidad, al menos ese crédito le rentan estos primeros largometrajes, el primero de los cuales, “May”, consiguió deslumbrarnos al revitalizar con vigor y personalidad la vieja fórmula de la explosión de locura del freak incomprendido, creando uno de los mejores personajes del moderno cine de terror, entrañable, encantador e inquietante a partes iguales; y en el segundo, “El bosque maldito”, aún siendo irregular e inferior al primero, configurando un respetable cuento de terror con reminiscencias del “Suspiria” (1977) de Dario Argento en nueva clave de Hansel y Gretel. Pero a pesar de tener tan poco material suyo, lo que llama la atención de estos dos films y en lo que Sick Girl, este episodio de Masters of Horror, vuelve a reincidir, es en una cosa: todos tratan en realidad de lo mismo, la protagonista siempre es una chica, una chica distinta, particular por un motivo o por otro, incomprendida y solitaria, con un mundo interior rico cargado de sentimientos y potencial para el afecto, pero a la que su rareza condena a un rincón tétrico y oscuro al borde mismo de nuestra sociedad. En “May” McKee se encontró por primera vez con Angela Betties, actriz tan joven como él/nosotros de variopinto bagaje hasta entonces, de trabajar con Franco Zeffirelli (“La novicia”) a Chuck Russell (“La bendición”), que con su belleza difícil de clasificar y el contraste contundente de algunas de sus acentuadas facciones, encarna mejor que nadie el físico de esa chica extraña de sus historias. Betties es May, y junto a su director y amigo se encargó de que todos cayéramos a sus pies. Respecto a este personaje y esta película, se trata de un ser calificable sin pestañeo como timburtoniano, como un “Eduardo Manostijeras” (Edward Scissorhands, 1990) en femenino y cuya diferencia es mental en vez de física. Pero mientras que en las películas de Tim Burton la oscuridad no es más que la aplicación de una estética gótica sobre un mensaje positivo, el universo de las chicas raras de Lucky McKee es mucho más trágico, más estremecedor, más propio, en definitiva, de un auténtico cine de terror, género que el director de “Bitelchús” (Beetle Juice, 1988) y “Ed Wood” (1994) siempre bordea pero nunca aborda, ni tan siquiera en “Sleepy Hollow” (1999). Para McKee, sin embargo, esta alegoría terrible sobre la dificultad de la búsqueda del amor pasada por adaptación del mito de Frankenstein de Mary Shelley, se tamiza con la influencia de la frustración y el pesimismo adolescente del grunge de Nirvana (la pulsión extreme del I hate myself, and I want to die), y la historia del patito feo no acaba en cisne, sino a lo “Carrie” de Stephen King, más acorde con la tenebrosidad de otros intensos puntos de vista contemporáneos sobre el cine teenager, como “Donnie Darko” (2001, de Richard Kelly). “El bosque maldito”, una película que tuvo muchos problemas de distribución, que se gestó en 2003-2004 pero que, atrapada en el limbo de Sony tras su adquisición por parte de MGM, no se estrenó hasta 2006, supone una continuación coherente, tal vez demasiado coherente, sobre esta manera de ver la fantasía cotidiana como un cuento de hadas (y brujas) a partir de los ojos de la muchacha extraña. Aunque Angela Betties fue sustituida por Agnes Bruckner, también su personaje es otra chica distinta, otra desubicada y maldita, ésta con poderes psíquicos y telequinéticos, lo que alguien consideraría una "brujita", y unos problemas brutales de adaptación a las instituciones escolares en los que sus padres la confinan, abandonada y falta de amor (su padre, por cierto, está interpretado por Bruce Campbell). El personaje de Bruckner demuestra a lo largo de toda la película una gran fortaleza, altanera, desafiante, “encarcelada” en un victoriano colegio interno para señoritas en medio de un siniestro bosque con secreto, se enfrenta a una conspiración diabólica e incluso a las niñas chungas que tratan de hacerle la vida imposible. Se echa una amiga y en seguida la pierde. Pero en todo momento es evidente su necesidad de abrirse, su anhelo de un poco de apoyo, de calor por parte de alguien. Una pretensión a la que sus habilidades y su rápida percepción de las fuerzas mágicas que se mueven en el colegio, la impiden alcanzar. Y ahora Sick Girl, realizada durante el “cautiverio” de “El bosque maldito” terminada pero inédita, que nos trae no a una, sino a dos chicas raras, Ida Teeter y Misty Fall, que se conocen y se enamoran. Vuelve Angela Betties como Ida, de la que a pesar del paréntesis en su último film, Lucky McKee no se ha separado, de hecho ha sido el padrino, guionista y protagonista del primer film de ella como directora: “Roman” (y bueno, si McKee “le ha puesto los cuernos creativos” con la Bruckner, no olvidemos que ella también ha andado haciendo otras cosas, como el remake televisivo de “Carrie” o “The Toolbox Murders” con Tobe Hooper). Aquí el factor diferencial de su personaje es algo más light, pero no quita para que le cueste establecer relaciones como si de una apestada se tratase: para empezar, en este caso Betties interpreta a una mujer lesbiana, pero por encima de eso más duro y característico es su condición de friki de los insectos, entomóloga de profesión y coleccionista de bichos de afición, a los que pone nombre y que incluso deja sueltos por su casa, para horror de vecinos y casera. Las mujeres la encuentran extraña, pocas de las que se liga en locales de ambiente superan la prueba de ir a su casa, salen despavoridas y no vuelven a llamarla, encontrando muy mal síntoma en estos pequeños compañeritos de piso (decenas de arañas, coleópteros, insectos hoja, gusanos, etc.). Por lo demás, es una mujer muy nerviosa y tímida, pero encantadora, muy viva, dulce y con una inmensa personalidad y (otra vez) una enorme carencia de cariño. Respecto a Misty Fall, es otra solitaria y excéntrica muchacha, de aire hippie y que desde el primer vistazo encontramos en actitud tan extraña como estar sentada en el suelo, a las puertas del laboratorio, haciendo ociosos dibujos con los que expresa sus sentimientos.
El papel de Misty recae nada más y nada menos que en Misty Mundae, y si no sabes quién es, yo te lo cuento en una nota al pie de esta página: (1). “Sick Girl” es el menos angustioso de los trabajos de McKee, el único en el que la protagonista solitaria resulta correspondida: es, de hecho, una historia de amor entre ambas mujeres. Comparado con “May” y con “El bosque maldito”, “Sick Girl” es el menos oscuro, el más luminoso, si “May” ya contenía innegables elementos de comedia negra, este capítulo es todo él ligero y pretendidamente chispeante; el final, de hecho, es prácticamente un chiste gráfico. Claro que no todo es un camino de rosas para Ida y Misty, si no esto no sería la serie que es, y no podríamos hablar de “horror”: Ida recibe desde Brasil un extraño insecto de gran tamaño, que al picar a su recién encontrada pareja, toma posesión de ella y la va mutando tanto psicológica como físicamente. Tal vez la purulenta transformación de Misty en una auténtica mujer-insecto sea un impedimento grave para su relación; o tal vez no. Lo más interesante de este telefilm se encuentra en los personajes, en la manera en la que McKee los trata y las actrices los construyen. Si resulta un film entretenido e incluso interesante a ratos, es gracias al carisma de las dos mujeres, y muy especialmente al de Angela Betties. Es una especie de acercamiento en clave de cómic EC (la historia podría haber salido en un “Creepy”, o ser cualquier adaptación de las que ofrece la serie “Historias de la cripta”) a la comedia romántica, lo que a uno como espectador le interesa y le preocupa, es que Ida consiga su amor, que no se le rompa el corazón (otra vez), y cuando la sombra de la desgracia se cierne sobre ella en forma del insecto mutador, el único interés del episodio se basa en cuanto tiempo tardará en darse cuenta, incluso casi más que en qué hará entonces (el sangriento climax es bastante rápido). Quisiera insistir en este punto: hay otras historias de amor gore o truncado por una trama de terror o ciencia ficción: Romeos y Julietas separados por epidemias zombie (“Braindead”) o por la mismísima muerte (“Mortal Zombie”, “Zombie Hooneymoon”, etc), por posesiones infernales (“Evil Dead”) que te obligan a decapitar a tu novia o a defenderte con una bate de baseball de tu marido y padre de tu hijo (“El resplandor”), a sospechar que él ya no es quién solía ser de novios (“I Married a Monster from Outer Space”), o que siéndolo te ha vendido a cualquier secta (“La semilla del diablo”). El cine fantástico y de terror está muy poblado de relaciones sentimentales que salen rana cuando el horror estalla en la vida de uno, como la violencia doméstica o una gravísima enfermedad, y en las que es tan importante la paranoia, la frustración, el desencanto que produce el paulatino alejamiento de la pareja, como la trama fantástica en sí, o incluso, llegado un punto del guión, pasa a ser más importante esta última. El problema de “Sick Girl” (titulo que hace referencia, espero, a la mutación de Misty, no a que las protagonistas sean lesbianas o frikis) es que no es así, la trama terrorífica no engancha de ninguna forma, el insecto no causa inquietud y la mutación tampoco. Al principio, como en medio o al final, sólo las chicas salvan la función, sólo la comedia romántica prevalece. Por eso esta película de Lucky McKee es una de las menos conseguidas de la primera temporada de la serie, con aciertos sólo parciales y por una cuestión de reflexión, tal vez, del carisma de “May” o del magnetismo de una actriz, Angela Betties. Y aún así, y por todo lo antedicho, es un eslabón pertinente en la corta carrera del director, es ni más ni menos que otra historia de maravillosas chicas raras. Una última prueba de lo que digo: este capítulo estaba en principio reservado para que lo dirigiera Roger Corman, y el personaje protagonista era un hombre llamado Ira Teeter, pero cuando Corman tuvo que renunciar a estar en la serie, y se hizo cargo de él McKee, Ira (nombre de varón) se convirtió en Ida (nombre de mujer). ¿Conseguirá McKee sorprendernos la próxima vez que trate de presentarnos a otra de sus chicas?
Jenifer, la cuarta película de Masters of Horror, es una adaptación bastante fiel de una de las historietas más celebradas de la historia del cómic de terror, obra del guionista Bruce Jones y del legendario dibujante Bernie Wrightson, y publicada por primera vez en el número 63 de la revista Creepy en julio de 1974 (en España saldría aquel mismo año formando parte del número 38 de Vampus aunque muy censurada). Luego se ha reeditado muchas veces (en España también, Toutain la recuperó en diversas ocasiones) y aún hoy es muy conocida por los aficionados. Como ven, en esta ocasión he creído más destacable esta fuente que el hecho de que la adaptación que nos ocupa esté dirigida por Dario Argento, y eso a pesar de que Argento es, más allá de las típicas controversias que despiertan los artistas tan determinantes como él, un nombre importantísimo en el cine de terror. Mis razones son, por un lado que si “Jenifer” es uno de los mejores episodios de “Masters of Horror”, se debe a toda la fuerza del original, y por otro porque además aquí encontramos a un Argento especialmente comedido, se podría decir que incluso impersonal.
Argumento: Del director de: Suspiria, Phenomena y Opera. Frank es policia y un día, durante un descanso en el río, ve como un hombre intenta asesinar a una mujer. Frank lo mata y antes de morir este sólo pronuncia el nombre de la chica: Jenifer. Frank descubre que Jenifer tiene la cara desfigurada horriblemente y que no sabe hablar. Como nadie se quiere hacer responsable de ella decide llevarla a su casa con consecuencias inesperadas.
Ficha Técnica Pais: USA. Año: 2005 Duración: 58 min. Dirección: Dario Argento. Guión: Steven Weber según la corta novela de Bruce Jones. Intérpretes: Steven Weber, Carrie Fleming, Brenda James, Harris Allan,Beau Starr, Laurie Brunetti, Julia Arkos.
Respecto a la primera afirmación, y a remolque de lo que comencé diciendo sobre su fidelidad con el original, “Jenifer” tiene un guión perfecto. Si no han contado con Bruce Jones para realizar la adaptación de su propia historia (objeción que he visto hacer ya, no crean que lo digo por nada) y aún cuando Jones tiene experiencia en el medio, por ejemplo fue uno de los guionistas de “El autoestopista” (The Hitchhiker), aquella serie de los 80, se debe a que el interés en realizar este film parte del actor Steven Weber, a la postre protagonista del mismo y amigo personal de Mick Garris (creador y productor de estos “Mastes of Horror”) y sin ir más lejos el Jack Torrance de su versión televisiva de “El resplandor” (The Shining, 1997) de Stephen King. Weber ha declarado en alguna entrevista que siempre ha sido fan de la historieta original, que leyó de chaval en aquel Creepy ya clásico de la editorial Warren (los herederos espirituales de la mítica EC Comics), sin poder olvidarla ni siquiera de adulto. Además, el actor ya cuenta con alguna experiencia incluso como realizador al haber dirigido un par de episodios de la versión moderna de “Más allá del límite” (The Outer Limits, emitida una y otra vez por las cadenas autonómicas españolas). Es comprensible que Webber siempre hubiese querido hacer “Jenifer”, tanto como que Garris no le haya dejado dirigirla (hombre, muy master el chico todavía no es), pero que aún así haya visto su oportunidad de sacarla adelante con un guión suyo bastante esmerado. El contar con un Argento para dirigirla, como suele decirse, es miel sobre hojuelas. Me gusta mucho “Jenifer” porque es sencilla y a la vez da miedo, es fantástica y al mismo tiempo suele pasar. Jenifer es un monstruo, tiene un rostro que parece sacado de una de las ilustraciones sobre ghouls de Bernie Wrightson (¡bingo, su padre gráfico!) pero un cuerpo maravilloso que es puro vicio. Como una especie de mantis, esta mortífera criatura engancha a los machos a través del sexo, despertando en ellos primero ternura con su aparente indefensión, y luego un encoñamiento de carácter adictivo. La depredadora sexual se engancha a su nueva víctima y le hace arriesgarlo todo, perderlo todo, por un polvo (o por uno tras otro). Pero no es como Natasha Henstridge, la alienígena ninfómana de “Species” (1995, de Roger Donaldson), la fealdad facial de Jenifer, su mudez y su actitud desvalida hacen de ella una especie de niña que se entrega, despertando pasiones prohibidas menos confesables. Además, Jenifer no es mortal para el que copula con ella, sino para todos los demás que le rodean. Hiperposesiva, caníbal (en sentido literal y figurado), sin el menor indicio de noción diferencial entre bien y mal (inocente), entre vida y muerte, la niña con cuerpo de actriz porno y cara de zombie se introduce en la vida de uno y lo termina acaparando todo (y a todos los demás se los zampa, o les saca las tripas y se las zampa). A continuación se introduce el concepto de culpa, de responsabilidad: aquel enganchado al sexo duro de Jenifer se termina considerando cómplice de sus matanzas y de sus comilonas de carne humana. Lo último los celos: tanto los de Jenifer, que pide más y más, como los del macho adicto, que no puede simplemente correr, no puede dejarla: tiene que destruirla, porque en el fondo se trata de que sea “para él o para nadie”. Una de las escasísimas diferencias entre cómic y película, por cierto, está en ese final, o mejor dicho en la actitud ante el final: en el cómic el personaje sabe desde el principio cómo va a acabar, como en una tragedia; en la película sólo es el espectador el que lo prevé. En síntesis, esta historia tan corta lo tiene todo para ser un clásico: sexo mezclado con muerte, inocencia mezclada con lascivia, sangre mezclada con ternura, y sobre todo horror, reminiscencias necrofílicas, la llamada de algo horrible y excitante a un tiempo: como la propia y misteriosa muchacha, repulsiva en su cara pero a la que no puedes dejar de mirar aunque sea a las tetas, peligrosa pero a la que no puedes dejar de desear (y si no, ella se encarga de lo contrario con su manera de entregarse), irracional, natural. ¿Y Dario Argento, qué hace a todo esto? Su dirección en “Jenifer” es eficaz, absolutamente adecuada. Alguien podría soñar con un tratamiento más gótico, un mayor barroquismo en los escenarios, pero eso es dirección artística y producción, no es achacable al director. Este film marca un momento curioso en la filmografía del cineasta romano, ya que él rara vez suele rodar sobre guiones ajenos, y en cuanto a adaptar historias de otros medios, no lo hacía tampoco desde su internada en el universo de Edgar Allan Poe en aquel mano a mano con su amigo George A. Romero llamado “Los ojos del diablo” (Two Devil Eyes, 1990). Lo de Gaston Leroux no cuenta: su “Fantasma de la ópera” (Il fantasma dell'opera, 1998) está más basado en el mito cinematográfico en sentido general, que en la novela. En las películas más importantes de Argento, y mucho más aún en su pequeño puñado de Obras Maestras, lo argumental, lo narrativo, siempre se supedita a lo visual y lo atmosférico, como si pintara o compusiese sinfonías. Cuestiones como la coherencia de las historias o los cabos sueltos nunca le han preocupado al romano. Aquí sí, aquí por el contrario nos encontramos ante una película que es pura narrativa, pura historia, y que está filmada con mano invisible, sin las florituras de planificación, las grúas y las truculencias ópticas. ¿La menos argentiana de las películas de sus obras? Dario Argento ya tenía experiencia en el medio televisivo. En los años 70 realizó para la RAI la reputadísima miniserie Porta sul buio (1973), en la que dirigía personalmente un par de capítulos y producía los demás, dejados a manos de colegas tan próximos a su círculo como Luigi Cozzi (amigo personal, co-guionista y más tarde director por su cuenta de películas como “Star Crash” o “Contaminación: Alien invade la Tierra”) o Roberto Pariante (su segunda unidad en la época). Treinta años después, Argento aún recuerda bien el terreno que se pisa, y la diferencia entre un proyecto para cine y un proyector para TV. El hecho de que además se trate de su película más “divertida” y redonda desde “El síndrome de Stendhal” (La sindrome di Stendhal, 1996) de hace diez años (ha llovido), debería compensar la decepción que un fan sediento de su estilo inconfundible pudiera sentir ante este “Jenifer”. Además, la referida naturaleza del material que tiene entre manos, le brindan la oportunidad de filmar los fragmentos de metraje más explícitamente eróticos y carnales de toda su carrera: no sólo generoso en los desnudos de Jenifer, sino incluso abierto en las acciones sexuales de la joven o de la joven con el protagonista. Tanto es así, que hay un par de escenas que fueron censuradas y que al parecer sólo se han recuperado en los extras del DVD americano (ignoramos y dudamos si también en el que editen aquí), ambos momentos que aludían de forma clara al sexo oral. Y el estar ahí también le permite invitar al ex Globin Claudio Simonetti a componer la banda sonora. Hay quien dice que el capítulo resulta muy televisivo. Yo pienso que la fotografía de Attila Szalay, responsable del look de muchos episodios de “Expediente X”, compensa mucho eso. Además pienso que ser televisivo no es necesariamente malo, sobre todo en televisión. También pienso que si a mucha gente este capítulo les suena poco imaginativo, se debe a que trata uno de los temas eternos, el de la “atracción fatal”. Por último, necesito rendirle homenaje a Carrie Fleming, la actriz que hace de Jenifer con todo ese maquillaje, y que bajo él, en la vida real, es toda una belleza, tanto como deja intuir su cuerpo, que sí hemos visto, y mucho más que otras petardas de moda.
