May

May es una historia de verdadero terror. Durante la edad media el hombre vivió atemorizado por las criaturas que habitaban las montañas y los bosques, lejos de la civilización, escondidos de la luz del día y la mirada de Dios; después cuando el hombre se industrializó los monstruos se metieron a los sótanos, en los armarios y debajo de las camas; pero ahora los monstruos están aún más cerca, dentro de nosotros mismo, en los lugares inexplorados de nuestra psique (o la de tu mamá, tu vecino o tu exnovia) esperando para ser liberados y atacar.

Argumento
May es una chica sin amigos, aficionada a crear sus propias muñecas y a coser su propia ropa. Trabaja en un veterinario con Polly, una lesbiana que le tira los trastos, y sueña con encontrar al hombre de su vida. Conoce a Adam, un chico guapo cuyas manos la fascinan. Entablan una relación pero la cosa no funciona. May contrariada por su incapacidad de encontrar amigos, decide seguir el lema que le enseño su madre cuando era pequeña: "Si no logras encontrar un amigo, créalo.

Ficha Técnica
Pais: USA
Año: 2002
Duración: 93 min.
Dirección: Lucky Mckee
Guión: Lucky Mckee
Intérpretes: Angela Bettis, Jeremy Sisto, Anna Faris, James Duval, Nichole, Hiltz, Kevin Gage, Nora Zehetner, Jesse Hlubik, Mike McKee

May, película que impactó en el pasado festival de Sitges, donde se llevó los galardones al mejor guión y a mejor actriz.
Es duro ver como en este país se maltrata al cine de terror, ya que son pocas las películas de este género con un mínimo de calidad que se estrenan al año, y cuando lo hacen –como es este caso, o como ocurrió con Dark Water- pasan prácticamente desapercibidas.
Lucky McKee aborda desde el primer mínuto una historia fascinante, una mezcla entre Frankenstein y una película de Dario Argento. Del primero toma la historia y del segundo el toque gore que impregna la segunda parte del film.
Angela Bettis –que ha interpretado el papel de Carrie en la serie de televisión- está impresionante en su papel de May, haciendo totalmente creíble su papel de patito feo vengativo. Los secundarios, en especial Anna Faris, cumplen sin problema con su cometido.

Podríamos decir que May es la versión gore de Amelie, ya que ambas lo único que pretenden es satisfacer a los demás, hacerlos felices. Por ello, May satisface los juegos sexuales de Polly, o muerde el labio de Adam y luego se restriega su sangre por el cuello.

Especialmente sobrecogedoras son la escena final -no recomendable para estomagos delicados-, y el momento en que la muñeca –y May- se liberan al caer su vitrina al suelo.

Una película altamente recomendable para los fanáticos del cine de terror, y sobre todo, para los amantes del cine de Argento.

No esperes ver efectos visuales impactantes, ni largas escenas de suspenso, ni misterio alguno, la historia de May es directa y sin misterio, puesto que junto a May, el espectador vive la creación del monstruo, el que habita dentro de ella y lo mejor, y lo verdaderamente terrorífico es que no es algo imposible de ocurrir, tu podrías tener una May en tu salón de clase, en tu oficina, hasta tu mismo podrías ser una May en potencia…

Carrie

“Carrie” es una película de una profundidad metafórica casi interminable. La historia de una joven, víctima de la demencia religiosa y sectaria de su siniestra madre, que descubre poseer poderes telekinésicos a los pocos segundos de experimentar su primera menstruación, está literalmente plagada de guiños freudianos, de reflexiones poco habituales sobre el pecado y de una apuesta clara por la venganza como valor de cambio, al menos en el terrorífico universo de King.

Argumento:
Basada en la novela de Stephen King.
Carrie, una tímida adolescente que vive con su madre, una fanática religiosa, es el objeto de las burlas constantes de sus compañeros de instituto. Cuando la chica sufre un ataque de histeria al tener su primera menstruación en las duchas del gimnasio, una de las alumnas decide gastarle una macabra broma durante la fiesta de graduación. Lo que todos ignoran es que Carrie posee poderes telequinéticos.

Ficha Técnica
Pais: USA
Año: 1976
Duración: 98 min.
Dirección: Brian De Palma
Guión: Lawrence D. Cohen según la novela de Stepehn King.
Intérpretes: Sissy Spacek, Piper Laurie, Amy Irving, William Katt, Betty Buckley, Nancy Allen, P.J. Soles, John Travolta

Allá por 1975-76, años en que se produjo la película, Brian de Palma era un director fuertemente vinculado al cine más o menos underground, un tipo al que la industria, especialmente tras el moderado éxito de su versión de “El fantasma de la Ópera” y el enloquecido homenaje que rindió a Hitchcock en “Obsesión”, todavía no cortaba las alas y dejaba expresarse más o menos libremente.

De Palma, artesano de las imágenes y reinventor a su manera del cine, echa mano de recursos que el cine tradicional había dejado de utilizar hacía tiempo, entre ellos la doble cámara/pantalla partida, que permite al espectador ver la acción simultáneamente desde dos puntos de vista diferentes.

Todavía, en fin, “Carrie” da miedo. La película es el resultado de infinidad de elementos que sumados arrojan como saldo un producto brillante: la paródica banda sonora de Pino Donaggio, que combina pasajes adocenados y melodías ratoneras con los mejores momentos de música incidental del cine de terror a lo Bernard Hermann; la sensacional interpretación de la inquietantemente bella y turbadora Sissy Spacek, bien arropada con la felizmente recuperada para el cine Piper Laurie...

Suspiria

Suspiria es la obra maestra del director italiano Dario Argento, basada en la novela "Suspiria de Profundis" de Thomas de Quincey. Protagonizada por Jessica Harper, Alida Valli, Stefania Cassini, Joan Bennett y Miguel Bosé en 1977.

Abriendo con una larga e impactante secuencia en donde el ritmo y las originales tomas de cámara determinan uno de los momentos más memorables dentro del cine de horror, Argento nos muestra un cuento mágico y pesadillesco que hace gala de su arquitectura, ambientación y fotografía.

Argumento
Una joven ingresa en una exclusiva academia de baile, la misma noche que asesinan a una de las alumnas. La subdirectora del establecimiento es la amable Mme. Blank que brinda a la nueva alumna todas las comodidades y facilidades, para que pueda estudiar y aprender. Pero a poco, un aire malsano va inundando el lugar y su estancia se va convirtiendo en una verdadera pesadilla.

Ficha Técnica
Pais: Italia
Año: 1977
Duración: 98 min.
Dirección: Dario Argento
Guión: Dario Argento
Intérpretes: Jessica Harper, Stefania Casini, Flavio Bucci, Miguel Bosé, Barbara Magnolfi, Alida Valli

Suspiria es, por definición, una de las obras cumbres del fantástico italiano y posiblemente el mejor trabajo que ha hecho Dario Argento en toda su vida. ¿Exagerada afirmación? Es posible, ya que muchos afirmarían que otros trabajos suyos como "Rojo Oscuro" son mejores que ésta. Pero dejando las opiniones subjetivas aparte, todo el mundo debería levantarse el sombrero frente a tal ejemplo de dirección, fotografía y ritmo que muestra Argento en éste film.

La dirección está preparada con mimo y cuidado, utilizando los colores más primarios para dar esa sensación teatral, como si de función macabra e infantil. La banda sonora, como siempre en toda su filmografía, es tenebrosa y acompaña en todo momento a las imágenes que muestra, dándoles el último empujón de fuerza para llenarlas. Los Goblin cumplen, y de sobras, en esta producción (que sería de Argento sin ellos).

El tema del guión es delicado y puede tener distintos puntos de vista. En vistas de cualquiera podría parecer algo simple, con personajes arrastrados constantemente por intuiciones y diálogos alejados de cierta madurez. Pero la verdad es que en realidad el libreto estaba destinado a ser protagonizado por niñas de un internado y, por problemas con la productora, no pudo ser. Eso explicaría algunas líneas un tanto simples, pero no los descubrimientos que hacen los protagonistas. Aún este problema, es Argento, y es bien sabido que no presume de guiones poéticos y tremendamente complicados. Su sello son los detalles (como el tema de contar pasos), las pistas y los elementos más detectivescos del giallo.

Lo demás que complementa el film es totalmente visual, llegando al summum con sus complicadamente filmados asesinatos (la verdadera marca de la casa). Es impactante ver el cuchillo clavando al corazón latiente, o la mujer llena de clavos con los ojos abiertos y horrorizantes.

Suspiria es una obra maestra del género, la película más importante en arte y estilo de su director. Otros verán en el cine fantástico italiano sólo caspa, gore y sexo (y a algunos no les faltará razón). Pero ahí no se queda la cosa, hay miles de directores a explorar y grandísimas películas que descubrir. Que sigan pensando que es casposo, los demás nos quedaremos con cuentos de brujas y asesinos tan magníficamente producidos como ésta joya del 77 (hay que ver como pasan los años...).

The Omen

The Omen es uno de los hitos que marcaron los nuevos caminos que seguiría el cine de terror en los años setenta tras la estela marcada por La semilla del diablo (Rosemary’s Baby, 1968, Roman Polanski) y continuada con éxito por The Exorcist renovando el género en el sentido de dotarlo de un enfoque más mainstream, con grandes presupuestos, alguna estrella de relumbrón y directores habitualmente alejados del género; obras claramente enmarcadas en la estrategia de mercado de las grandes productoras, centrada en atraer de nuevo al público a las salas tras la pérdida del favor de éste por parte del género, que ocasionó, entre otras cosas, la caída en desgracia de Hammer Films. Este tipo de productos intenta dotar así al género de terror de un carácter más supuestamente adulto, más serio, dicho esto en el peor sentido de la palabra, apreciación no obstante que no pretende ni mucho menos ser ofensiva sino definitoria.

Argumento
La mujer de un diplomático americano en Roma pierde a su hijo al nacer. Su marido, siendo consciente del duro golpe que significará para su esposa, decide adoptar en secreto a otro niño huérfano, nacido al mismo tiempo y haciéndole pasar como su verdadero hijo.

Ficha Técnica
Pais: USA.
Año: 1976
Duración: 111 min.
Dirección: Richard Donner
Guión: David Seltzer
Intérpretes: Gregory Peck, Lee Remick, David Warner, Billie Whitelaw, Harvey Stephens, Patrick Troughton, Martin Benson, Leo McKern (Carl Bugenhagen), Robert Rietty, Tommy Duggan, Holly Palance

Richard Donner, artesano siempre correcto pero nunca extraordinario, quien ha llevado la moderación a la categoría de estilo, entra aquí de lleno en el mundo del cine desde una amplia experiencia en la televisión (salvo anecdóticas excepciones hasta esa fecha), sólo superando ligeramente las barreras que separan tan diferentes formatos, cosa que nunca haría con desparpajo pese a los siempre eficaces resultados de su filmografía. Esa austeridad estilística se muestra incapaz de sacarle todo el jugo a una historia que desde un punto de vista narrativo y actoral (Gregory Peck desaprovechado) posee mayor potencial del que Donner consigue hacer aflorar; sólo David Warner, a quien la contención aquí beneficia, está a la altura. Es precisamente ese estilo de Donner el que se recrea en un empaque formal no de género, buscando atraer a un público no fanático a las salas; hacia un género que, ya en los primeros años de la década de los setenta, atravesaba dos circunstancias determinantes para su desarrollo posterior; por un lado había perdido fuelle y atractivo ante el público tras la decadencia a la que se vio abocado con los últimos estertores de la productora Hammer; y por otro, buscaba nuevos caminos a seguir en el futuro, con La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead, 1968, George A. Romero) como paradigma.

Correcta y eficaz pero en general ausente de sugerencia, sólo una única escena consigue recrear convenientemente cierta atmósfera: hablamos del pasaje en el cementerio, donde varios perros Rotweiller acosan a Gregory Peck y a David Warner; el resto, de una intachable homogeneidad narrativa y estilística, aunque de bajo perfil, sin altibajos, pero también sin esas necesarias cumbres que consigan hacernos sentir una emoción plena, a excepción del pasaje mencionado.

The Texas Chain Saw Massacre

The Texas Chain Saw Massacre recaudó más de $30 millones de dólares en Estados Unidos,convirtiéndose en una de las películas independientes más exitosas. El logro fue superado años después por la película Halloween (1978) de John Carpenter, la cual recaudó $47 millones tras su estreno. La película obtuvo el premio de la crítica en el Avoriaz Fantastic Film Festival en 1976. La respuesta por parte de la crítica cinematográfica fue mayoritariamente positiva, la revista TV Guide se refirió a ella como «una película de terror inteligente, absorbente y sumamente perturbadora, que prácticamente no necesita de la sangre para representar la violencia». La revista Empire la definió como «la película de terror más horripilante jamás filmada». Dave Kehr del periódico Chicago Reader escribió, «las imágenes impactan más por su intensidad que por su arte, pero Hooper tiene talento». Christopher Null del sitio web Filmcritic.com agregó, «dentro de nuestro subconsciente colectivo, Cara de Cuero y su motosierra se han vuelto tan icónicos como Freddy y sus cuchillas o Jason y su máscara de hockey».

Argumento

Ficha Técnica
Pais: USA
Año: 1974
Duración: 83 min.
Dirección: Tobe Hooper
Guión: Kim Henkel
Intérpretes: Marilyn Burns, Allen Danziger, Paul A. Partain, William Vail, Teri McMinn, Edwin Neal, Gunnar Hansen, John Larroquette

Otros, en cambio, criticaron la violencia de la película y sus efectos especiales. Roger Ebet del periódico Chicago Sun-Times escribió, «The Texas Chainsaw Massacre es tan violenta y horripilante como su título promete... no tiene un propósito aparente, a menos que generar repugnancia y susto lo sea... sin embargo, está bien hecha, bien actuada y es muy eficaz. El crítico Steve Crum describió a la cinta como «una basura que establece nuevos niveles de brutalidad». Por su parte, el escritor Stephen Koch, en un artículo de 1976, se refirió a The Texas Chain Saw Massacre como una «implacable violencia sádica, tan extrema y espantosa como una completa falta de imaginación puede llegar a generar».

Con el pasar de los años, los comentarios hacia The Texas Chain Saw Massacre mejoraron.En el sitio web Rotten Tomatoes posee un 90% de comentarios «frescos», basado en un total de 40 críticas; mientras que en Metacritic presenta un puntaje de 75/100.Mike Emery del periódico Austin Chronicl sostuvo que la película era «horripilante, pero fascinante a la vez ... la peor parte de esta visión es que a pesar de sus aspectos sensacionalistas, no está muy alejada de lo que pudo ser la realidad». El crítico de cine Rex Reed se refirió a ella como una de las películas más terroríficas que ha visto, mientras que el escritor Stephen King destacó su «mérito social redentor». La revista Variety agregó: «A pesar de la gran cantidad de gore en The Texas Chain Saw Massacre, la película de Tobe Hooper está bien hecha para una cinta de su tipo».

The Texas Chain Saw Massacre ha sido considerada como una de las mejores películas de terror de la historia, teniendo una importante influencia dentro del género. La escritora Isabel Cristina Pinedo sostuvo: «El género de terror debe mantener el terror y la comedia en tensión si no quiere pisar la delgada línea que lo separa del terrorismo y la parodia... este delicado balance es alcanzado en The Texas Chainsaw Massacre donde el cadáver putrefacto del abuelo no sólo logra efectos terroríficos y graciosos, sino que utiliza uno para exacerbar al otro». Scott Von Doviak de Hick Flicks se refirió a ella como «una de las pocas películas de terror que utilizan de manera efectiva la luz del día, desde la horripilante secuencia inicial que muestra un cuerpo putrefacto sobre la lápida de un cementerio». En el libro Horror Films, uno de los críticos sostuvo que era «el thriller gore más efectivo de todos, y, desde un punto de vista más amplio, está entre las películas de terror más eficaces que jamás se hayan hecho [...] la fuerza motriz de The Texas Chainsaw Massacre es más horrible que la sexualidad aberrante: la demencia total».

El director Ridley Scott se refirió a ella como una fuente de inspiración para su película Alien, el octavo pasajero (1979). Por su parte, el cantante y director de cine Rob Zombie declaró que The Texas Chain Saw Massacre ha sido una influencia para su trabajo, especialmente para su película House of 1000 Corpses (2003). Ben Cobb, crítico de cine de la cadena de televisión Channel 4 la llamó «un triunfo de estilo y atmósfera, The Texas Chain Saw Massacre es sin duda una de las películas de terror más influyentes de todos los tiempos».

El Museo de Arte Moderno de Nueva York agregó una copia de la película a su colección permanente. La revista Entertainment Weekly la ubicó en el puesto número 6 de las mejores películas de culto, y la incluyó entre las 20 películas más terroríficas de todos los tiempos. En 2005, Total Film realizó una encuesta que ubicó a The Texas Chain Saw Massacre como la mejor película de terror, superando a cintas como Halloween de John Carpenter y El exorcista (1973) de William Friedkin. Dos años después, la revista Time la incluyó dentro de las 25 mejores películas de terror de la historia. El grupo de punk rock Ramones menciona a la película en su canción «Chainsaw», la cual salió en su primer álbum. En España, las canciones de los grupos Parálisis Permanente («Un día en Texas»), Airbag («Familia de subnormales todos locos») y Siniestro Total («La matanza de taxis» o «La sierra es la familia») reflejan la influencia de la cinta en sus letras.

Psycho

Psycho es probablemente una de las mejores películas de terror de todos los tiempos. Y sin lugar a dudas, uno de los hitos de la técnica cinematográfica. Son muchos los que piensan que Psicosis es la obra maestra de Alfred Hichtcock. Y es que, son pocas las películas que logran alcanzar un clímax de inquietud, espanto y terror equiparable al de Psicosis. Desde el primer hasta el último minuto te mantiene en suspense, incómodo y tenso.

Argumento
La película esta basada en la novela homónima de Robert Bloch.
Una secretaria que acaba de fugarse con el dinero de su jefe, se aloja en un motel regentado por un psicópata. Poco después desaparece y su familia inicia una desesperada búsqueda.

Ficha Técnica
Pais: USA
Año: 1960
Duración: 109 min.
Dirección: Alfred Hitchcock
Guión: Joseph Stefano
Intérpretes: Anthony Perkins, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam, Janet Leigh

Por aquel tiempo Hichtcock tenía contrato en vigor con la Paramount Pictures. Pero cuando los responsables del estudio supieron que la película pretendía ser rodada en blanco y negro alegaron que no disponían de espacio en sus estudios. Pretendían de este modo que Hichtcock cambiara de planes. En respuesta, el director decidió alquilar los estudios de la Revue-Universal Studios donde venía realizando sus producciones para TV hasta entonces. Y así, a finales de noviembre de 1959 comenzó el rodaje.

Psycho es una película que rompía con muchos convencionalismos establecidos hasta entonces. Y no sólo eso sino que marcó la pauta dentro del género de terror hasta el punto de ser considerada por muchos como su paradigma.

En la historia todo es inquietante. Desde el mismísimo comienzo se nos va dando a entender que algo horrible va a suceder... El poder de sugestión que consigue gracias a la música y a los efectos técnicos es sorprendente: la voz en off, los primeros planos del dinero y del ojo de Norman, las tomas cenitales de la señora Bates, los fundidos, la caída de Arbogast... Y es que, pocas películas pueden presumir de aglutinar tanta técnica cinematográfica. La escena de la ducha, la más famosa del film y una de las más famosas de la historia del cine, requirió el trabajo de 7 días de rodaje. La cámara llego a filmar desde 70 ángulos diferentes. Mención aparte merece el McGuffin, un invento cinematográfico de Hichtcock consistente en centrar la atención sobre una trama u objeto que en un primer momento parecen capitales para el desarrollo de la historia pero que luego se desvanecen con la consiguiente sorpresa por parte del espectador. En cuanto a los actores, cabe destacar a Janet Leigh y a Martin Balsam, y especialmente a Anthony Perkins, que clava el papel a la perfección. Años después protagonizó la secuela del film, esta vez de la mano de Richard Franklin. Su personaje es inquietante desde el primer momento que aparece en pantalla... Pues bien, a pesar de todo, Psicosis no logró ganar ni un solo Oscar. Recibió 4 nominaciones, entre otras a mejor director y a mejor actriz secundaria, pero no llegó a ganar nada. Casos como éste demuestran que los Oscars de Hollywood no son un factor del todo fiable a la hora de valorar una película. Que Psicosis no fuera ni siquiera nominada a mejor película... tiene delito. En cualquier caso, cabe señalar que compitió con otras películas míticas de la talla de El Apartamento, Los siete magníficos, Éxodo, El Álamo o Espartaco. Un películón y una obra maestra que no envejece con el tiempo.

The Hand That Rocks the Cradle

The Hand That Rocks the Cradle es una película estadounidense de 1992 del género thriller. Es protagonizada por Annabella Sciorra y Rebecca De Mornay; fue dirigida por Curtis Hanson. En este film se alberga una de las mejores actuaciones de De Mornay.

Argumento
Los Bartel, un matrimonio con dos hijos, contratan como niñera a Peyton. Se trata de una niñera servicial y bondadosa que pronto se gana la confianza de la pareja, que no ...

Ficha Técnica
Pais: USA
Año: 1992
Duración: 110 min.
Dirección: Curtis Hanson
Guión: Amanda Silver
Intérpretes: Annabella Sciorra, Rebecca De Mornay, Matt McCoy, Ernie Hudson, Julianne Moore, Madeline Zima

Muy buena, asusta ver la frialdad de la niñera y conmueve su pasado y a pesar de ser como es, uno le toma certo cariño aunque sea tan mala eso si, poniendome en la piel de la protagonista darían ganas de quitale los ojos.

Años antes de 'L.A. Confidential', Curtis Hanson ya demostró su talento remontando el desarrollo de esta previsible historia con niñera primero amable y luego peligrosa. El buen trabajo de Rebecca de Mornay y el pulso firme del director logran secuencias brillantes que, además, dan verdadero miedo" (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)

Prom Night

Si no estás de vuelta a media noche, no volverás a casa.Desde que en 1978 La Noche de Halloween se convirtiera en la película independiente con mayor recaudación en salas, los demás estudios calentaban motores. Los de sus cámaras cinematográficas. El 9 de mayo de 1980 llegaría Viernes 13, el 18 de julio Prom Night y el 3 de octubre El Tren del Terror. No hay que ser muy despierto para saber que el papel de Kim recayó en Jamie Lee sin que ésta hiciera una prueba. Tener a la acosada canguro de La Noche de Halloween (el sueño de cualquier director de slasher en aquella época) era una garantía para que la película recibiera el beneplácito de los fanáticos del terror. Porque, salvo en contadas ocasiones (Halloween Resurrection) los proyectos (fuera y dentro del terror) que incluían a Jamie Lee otorgaban cierta fiabilidad y confianza.

Argumento
El curso toca a su fin y un grupo de jóvenes se prepara para la noche de graduación. Alrededor de estos acontecimientos, comienzan a producirse una serie asesinatos que revelaran un oscuro suceso que tuvo lugar en el pasado.

Ficha Técnica
Pais: Canada.
Año: 1980
Duración: 90 min.
Dirección: Paul Lynch
Guión: William Gray
Intérpretes: Leslie Nielsen, Jamie Lee Curtis, Casey Stevens, Anne-Marie Martin, Antoinette Bower, Michael Tough, Mary Beth Rubens, Joy Thompson

Para crear Prom Night, William Gray y Robert Guza tomaron ingredientes de Halloween, algo de Carrie y una pizca de Fiebre del Sábado Noche. No sabemos si se percataron de la existencia de la novela Se lo que hicisteis el último verano (1973).Pero ante todo aportaron una asesino diferente que escapaba de lo sobrenatural y recibía tantos golpes como sus víctimas, no el tópico ser sobrehumano. A la vez, el nuevo personaje encarnado por Jaime no era la obsesión del psicópata, aunque irremediablemente se viera envuelta en los trágicos acontecimientos. Otro que sorprende es Leslie Nielsen. Si uno no echa la vista atrás en su filmografía es incapaz de creer que este señor haya protagonizado alguna película que no pertenezca a la serie "Agarralo como puedas" o comedias semejantes. Una breve pero precisa aparición como patriarca de la traumatizada familia.

Volviendo al asesino, no hay dobles juegos, ni misterio sobre la naturaleza de éste (aunque lógicamente sí sobre su identidad), no es el mal en estado puro, ni tampoco un ser no-muerto. Eso no provoca que no sea inquietante: un encapuchado vestido de negro con un pedazo de cristal resquebrajado como arma. El asesino no hace honor a su nombre hasta la mismísima noche del baile de graduación donde, sin pausa, se producen la mayoría de las persecuciones y muertes. Para la posteridad quedan el impresionante asalto a la pareja de la furgoneta, la larga persecución de Wendy y el desenlace poco común, pero muy original, a ritmo de música disco. También es difícil olvidar el zoom cerrado hasta el rostro consternado de Kim y la mirada-respuesta del asesino después del "hachazo". Faltaban años para que la baronesa Lady Haden-Guest demostrara su versatilidad como actriz, pero en su primera etapa bordó el papel de víctima.Pero, por si no habían quedado suficientemente claros, Prom Night remata la instauración de los "pecados" que convierten a los adolescentes en participes de la muerte en los slashers. No faltan el sexo, las drogas y los poco recomendables paseos en solitario.Mucho antes de que Jim Gillespie y Kevin Williamson adaptaran la novela de Lois Duncan para llevarla al cine, unos adolescentes aprendieron con sangre que guardar ciertos secretos puede llegar a implicar un gran riesgo.

Un clásico menor canadiense, pero un clásico

It

En 1990 se estrenó un telefilme de tres horas y trece minutos de duración, presentando a Tim Curry como Pennywise, John Ritter como el adulto Ben Hanscom y Brandon Crane como el joven; Harry Anderson como el adulto Richie Tozier y Seth Green como el joven; Tim Reid como el adulto Mike Hanlon y Marlon Taylor como el joven; Annette O'Toole como la adulta Beverly Marsh y Emily Perkins como la joven; y Richard Thomas como el adulto Bill Denbrough y Jonathan Brandis como el joven.

Argumento
Basada en la novela de Stephen King.
Una fuerza malévola está amenazando un pequeño pueblo de Estados Unidos tras la máscara de un payaso. Unas misteriosas muertes han comenzado a sucederse provocando el pánico... hasta que una pandilla de siete niños deciden atacar el mal y destruirlo. Pero después de 30 añós, It "Eso" ha vuelto a resurgir y los siete amigos vuelven a reunirse para enfrentarse a una fuerza más cruel, más violenta, más letal y esta vez... ávida de venganza.

Ficha Técnica
Pais: USA/Canada.
Año: 1990
Duración: 192 min.
Dirección: Tommy Lee Wallace
Guión: Lawrence D. Cohen
Intérpretes: Harry Anderson, Dennis Christopher, Richard Masur, Annette O'Toole, Tim Reid, John Ritter, Richard Thomas, Tim Curry, Emily Perkins, Chelan Simons.

Según un anuncio hecho por B-D.com, se hará un remake de It para la gran pantalla en 2010 producido por Warner Bros., Lin Pictures y Vertigo Entertainment. Dicho remake se adaptará a la época actual y se eliminarán varios acontecimietos de la novela, principalmente los interludios entre 1958 y 1985. El guión correrá a cargo de Dave Kajganich (The Invasion) aunque aún no hay ni director ni reparto. Parece ser que Tim Curry no repetirá como Pennywise.

Wrong Turn 2: Dead End

Argumento
El Coronel retirado Dale Murphy es el presentador de un reality show post apocalíptico donde los participantes son retados a sobrevivir en una remota parte del oeste de Virginia. Pero el show se convertirá en una lucha feroz por sobrevivir, cuando los participantes descubran que están a la merced de unos inmensos, deformes, hambrientos e insaciables caníbales dispuestos a todo con tal de devorarlos.

Ficha Técnica
Pais: USA/Canada.
Año: 2007
Duración: 94 min.
Dirección: Joe Lynch
Guión: Turi Meyer
Intérpretes: Erica Leerhsen, Henry Rollins, Texas Battle, Daniella Alonso, Steve Braun, Aleksa Palladino, Crystal Lowe, Kimberly Caldwell, Matthew Currie Holmes

La pelicula esta muy bien parecida a la primera pero con un reality para bariar, hace omenaje a otras peliculas com cuando Erica Lershen (Nina en la pelicula) esta cenando con las manos atadas con alambre de espino y le obligan a comer restos humanos = que en la matanza de texas (1971) o cuando nace el bebe deforme = que en el amanecer de los muertos de George Romero. No estiendo xque en las peliculas de terror siempre la + tonta es Rubia pobrecitas.

Toolbox Murders

Dejar claro que esto no es el remake --de los crimenes de tollbox --,esta pelicula la unica similitud que tiene con la otra mencionada es que el asesino utiliza toda clase de herramientas para matar a sus victimas,en referente a la pelicula yo diria que es entretenida pero tampoco se puede esperar una joya,a hooper en esta filmacion le veo flojo,no es una mala pelicula pero tratandose de este director la verdad me esperaba bastante mas,en conclusion una pelicula normalita,que me dejo un tanto frio

Argumento
Nell y su marido Steven se transladan a un viejo bloque y co-mienzan a restaurarlo. Será a partir de ese momento cuando comiencen a sucederse una serie de macabros asesinatos. ¿Qué terrible secreto esconde ese edificio? Nell está dispuesta a llegar hasta el final del misterio cueste lo que cueste.

Ficha Técnica
Pais: Mexico
Año: 2003
Duración: 95 min.
Dirección: Tobe Hooper
Guión: Jace Anderson
Intérpretes: Angela Bettis, Brent Roam, Marco Rodríguez, Rance Howard, Juliet Landau, Adam Gierasch, Greg Travis

La clave para entender Toolbox Murders se ofrece apenas comienza, cuando surge ante nosotros una “advertencia” acerca de la ciudad de Hollywood y la gente que sencillamente desaparece en ella, presa de la ilusión del estrellato y condenada a un rotundo fracaso. Y es precisamente un grupo de fracasados lo que vive en el edificio Lusman Arms, antigua gloria de la ciudad. Lo que antes fue un lujoso lugar frecuentado por estrellas ahora es una ruina que prácticamente vive en obras, causando numerosos problemas a los ya de por sí patéticos vecinos, desde el risible aspirante a actor que no puede ni siquiera aprenderse un guión hasta la ex–gorda obsesionada con su nuevo físico, pasando por la pareja de frikis que vive martirizándose en un ciclo sadomasoquista de maltratos y reconciliaciones. Entre todos estos casos clínicos destaca el joven matrimonio de Steve y Nell Barrows, dos jóvenes que buscan desesperadamente establecerse en la ciudad, aunque en su caso no se trata de aspiraciones artísticas, sino del nada desdeñable propósito de llevar una vida normal. “Normal” es precisamente lo que no van a tener, ya que después de un par de misteriosas desapariciones, Nell comienza a sospechar que no todo en el edificio es lo que parece, comenzando con los extraños símbolos de brujería y cábala que hay por todas partes. Poco a poco irá desentrañando la historia del inmueble y de su más siniestro habitante, quien últimamente ha hecho rodar más de una cabeza.

La dirección de Tobe Hooper es algo que le ha hecho muy bien a esta película. Desde La matanza de Texas (1974), este director no había vuelto a ofrecernos una historia donde el peligro estuviese presente de una forma tan palpable a través de los decorados. El edificio es, en sí mismo, un personaje más, un sitio sucio que alberga numerosos secretos, con evidentes guiños a otras películas de comunidades endemoniadas como El inquilino (1976) o El bebé de Rosemary (1968), ambas de Roman Polanski. La brutalidad de los crímenes del misterioso asesino es asimismo digna de los mejores tiempos del director, quien no escatima en mostrarnos cuando detalle escabroso se encuentre, especialmente en ese clímax que casi se convierte en una pesadilla. También ayuda muchísimo una actriz como Angela Bettis, cuya presencia resulta bastante contundente para alguien de apariencia tan frágil.

El único fallo de la película es, quizá, no explotar al máximo todo el potencial de las lecturas que ofrece. El edificio en el que viven Nell y Steve es un símbolo de todo Hollywood, un lugar que en alguna ocasión amparó las ilusiones de aquellos que venían a él y que ahora los devora literalmente. Les propongo una cosa: traten de ver las marcas esotéricas del edificio no como lo que son, sino como lo que fueron. Ahí, precisamente en ese “pretérito” de las cosas, se esconde la clave de la película. Eso sin nombrar al asesino, un ser que (en más de una forma) nace de la muerte. Y con esto temo haber dicho demasiado. Tan sólo desearía que los creadores de esta película hubiesen tenido un poco más de valor a la hora de lanzar estas ideas. Es una lástima, porque Hooper no había creado un ambiente así en muchos años.

En fin, una película slasher en toda la regla, pero que esconde el potencial de algo más interesante. Las diferencias entre la versión original y el remake de Toolbox Murders se deben quizá al cambio de concepción que ha habido en cuanto a lo que era y es Hollywood: de “máquina de sueños” a “vertedero del Diablo”. Puede que yo me esté inventando todo esto, pero como regreso de Hooper no está tan mal, aunque es evidente que todavía le falta mucho al creador de Leatherface para volver a estar en forma.

El Libro de Piedra

A más de tres décadas de su estreno, la segunda incursión de Carlos Enrique Taboada por los caminos del horror gótico rivaliza en popularidad con su antecesora, Hasta el viento tiene miedo (1968). Gracias a su frecuente presencia en las pantallas televisivas mexicanas, El libro de piedra ha logrado cautivar a toda una generación de mexicanos que no se cansa de aterrorizarse con la diabólica complicidad que se establece entre la pequeña Silvia y el misterioso Hugo.

Argumento
A petición del acaudalado Eugenio Ruvalcaba, la institutriz Julia Septién es contratada para hacerse cargo de la educación de la pequeña Silvia, hija de Eugenio y de su difunta esposa. La niña se comporta de una manera extraña y afirma jugar con Hugo, la estatua de piedra de un niño leyendo un libro que adorna los jardines de la mansión. Lo que al principio parece un simple juego de la imaginación infantil se va transformando hasta convertirse en una macabra obsesión.

Ficha Técnica
Pais: Mexico
Año: 1969
Duración: 99 min.
Dirección: Carlos Enrique Taboada
Guión: Carlos Enrique Taboada
Intérpretes: Marga López, Joaquín Cordero, Norma Lazareno, Aldo Monti, Lucy Buj

Así como el cine de horror gótico tiene claros antecedentes en la literatura anglosajona, la trama de El libro de piedra se inspira libremente en la novela Otra vuelta de tuerca (The Turn of the Screw) del escritor británico Henry James. Considerada como una de las joyas de la literatura inglesa de horror, Otra vuelta de tuerca fue llevada a la pantalla en 1961 por el director Jack Clayton. La cinta, titulada The Innocents y conocida en México como Posesión satánica, logró capturar el misterio poético de la novela de James y sin duda animó a Taboada a escribir este relato sobre fantasmas sedientos de venganza.
Como Hasta el viento tiene miedo (1968), El libro de piedra adolece de una producción bastante descuidada y un desempeño disparejo por parte de sus protagonistas. Sin embargo:
El director logró momentos inquietantes y varias secuencias se desarrollan en una atmósfera que expresa los deseos criminales de la protagonista.

De la Vega Alfaro, E. (1998). El cine de Marga López. Guadalajara, México: Universidad de Guadalajara (CIEC) e IMCINE, pp. 145-146.

Poco pretenciosa en sus intenciones originales, El libro de piedra logró convertirse en una de las películas de culto más populares del cine mexicano, algo que ni su propio director sospechaba en el momento de su rodaje. Bien dicen que a los seres humanos nos gusta asustarnos de vez en cuando. En ese sentido, El libro de piedra cumple cabalmente con satisfacer esa extraña necesidad de la naturaleza humana.

The Exorcist

El exorcista es una película de terror de 1973 dirigida por William Friedkin con un guión basado en la novela homónima de William Peter Blatty. La película se ha convertido en un clásico del cine de terror y suspense.
Ambientada en Estados Unidos de principios de los años 70, relata el exorcismo al que es sometida una inocente niña tras ser poseída por el Diablo.

Argumento
Durante las excavaciones a unas ruinas al norte de Irak, el arqueólogo y sacerdote Lancaster Merrin entra en pánico tras encontrar vestigios anacrónicos al periodo estudiado. El jesuita presiente que el Mal ronda y lo confirma cuando se topa con la estatua del demonio Pazuzu... un viejo enemigo está por volver.
Luego la acción se traslada a Georgetown (Washington D. C.). Regan MacNeil, una niña de doce años, comienza a experimentar violentos cambios de personalidad que ni la ciencia y la psiquiatría pueden resolver. Su madre, Chris MacNeil, desesperada, recurre finalmente a la Iglesia, quien envía al padre Merrin a realizar un exorcismo que salve la vida de la pequeña.

Ficha Técnica
Pais: USA
Año: 1973
Duración: 122 min.
Dirección: William Friedkin
Guión: William Peter Blatty
Intérpretes: Ellen Burstyn, Max von Sydow, Lee J. Cobb, Linda Blair, Jason Miller

El exorcista ha sido una de las pocas películas del cine de terror en lograr excelente acogida de crítica y de público, hasta el extremo de convertirse en un clásico de la cinematografía mundial y en un fenómeno cultural.
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Su éxito se le atribuyó a la austeridad y al realismo de la historia. La cinta planteó la dicotomía entre ciencia y laicismo contemporáneo por un lado, y formas de creencia y religiosidad aparentemente superadas en el siglo XX. En palabras de su director: «Es una parábola del cristianismo, de la eterna lucha entre el bien y el mal».El filme consiguió el Globo de Oro a la mejor película y dos Premios Óscar.

The Night of the Living Dead

La noche de los muertos vivientes es una película seminal de 1968 dirigida por George A. Romero, que transfiguró el género de las películas de Terror y el subgénero Cine de zombis.
La trama es sencilla y familiar, incluso para los espectadores ocasionales de este género: los muertos regresan a la vida, esparciendo su misma condición a través de los Estados Unidos y atacando a los vivos para alimentarse de su carne. Fue filmada en la ciudad de Evans (Pennsylvania).

Argumento
Barbara y su hermano realizan una visita al cementerio. Mientras llegan, la radio anuncia extraños ataques que se han estado realizando en las últimas horas. Cuando están en el cementerio, el hermano de Barbara es atacado por un muerto viviente. Ella huye, llegando a una casa, en la que se encuentran ya refugiadas varias personas. En la radio, las noticias hablan de la resurreción de todos los difuntos, que convierten en no muertos a aquellos a los que alcanzan. Pronto los zombies comenzarán a cercar la casa e intentar entrar en ella.

Ficha Técnica
Pais: USA
Año: 1968
Duración: 96 min.
Dirección: George A. Romero
Guión: George A. Romero
Intérpretes: Duane Jones, Judith O'Dea, Karl Hardman, Marilyn Eastman, Keith Wayne, Judith Ridley, Kyra Schon

Todo un clásico del género. Una sanguinolienta revisión de los códigos de los films de terror realizados hasta la fecha que tuvo influencia en posteriores directores como David Cronenberg, Tobe Hopper o Sam Raimi.

Aunque fue una película de bajo presupuesto y fue dirigida por un director nuevo en su tiempo, la película es considerada una obra clásica del horror por muchos críticos de cine, y se colocó en el lugar 93 en la lista de los 100 del American Film Institute durante su centésimo aniversario.
Fue rodada en blanco y negro, y utilizó efectos especiales de bajo costo, por ejemplo usando jarabe de chocolate como sangre.

The night of the living dead es uno de esos films característicos de una época, cuya importancia histórica y simbólica va más allá del valor que se les quiera atribuir. Estrenado en el fatídico 1968, forma parte, con Rosemarys baby, de un díptico ideal en el desarrollo del cine de horror. Por una parte, el film de Polanski firmó el ingreso oficial del terror en las producciones "A", sustrayéndolo del ámbito restringido de apasionados para celebrar un audaz crossover entre autor, género y gran público. Por otro lado, el de Romero consagró un modelo estético y con producción de bajo coste que abrió el camino a decenas de producciones salvajes y descentralizadas, haciendo del horror, durante algún tiempo, una práctica casi experimental: de ese modelo descienden los diversos La matanza de Texas, Evil Dead, en parte Asalto a la comisaría del Distrito 13, e incluso el reciente The Blair Witch Project.

En su ofrecimiento de dos caminos opuestos al futuro del horror, The nigh of the living dead y Rosemarys baby señalan también una ruptura común con respecto a la tradición gótica. Con los films de Romero y Polanski, la monstruosidad ya no es más una cuestión de alteridad mitológica, sino que penetra en la vida cotidiana, se encarna en nosotros mismos y en nuestros vecinos de casa. Además, la representación del horror deviene explícita en The night of the living dead, siguiendo las huellas de un Herschell Gordon Lewis, pero transfiriendo su clamorosa agresividad pop a un terreno más realista.La azarosa historia de la producción de The night of the living dead es conocida y forma parte de su leyenda. Romero, que hacía años que trabajaba en Pittsburgh, en el sector publicitario, había decidido probar suerte con unos amigos en el terreno del film de bajo presupuesto, como tarjeta de visita para la industria cinematográfica. La elección de los ambiciosos filmakers recayó sobre un film de horror a causa de las posibilidades comerciales que ofrecía el género, y la película fue rodada en siete meses, aprovechando los fines de semana y la disponibilidad de los amigos. Una vez acabado, obtuvo algunas críticas indignadas y una difusión limitada hasta que el éxito europeo le hizo alcanzar en los USA de rebote, fama de cult-movie, decretándose el triunfo definitivo

Hasta el Viento Tiene Miedo

Hasta el viento tiene miedo es una película mexicana de horror gótico filmada en 1968 en México, protagonizada por Marga López y Maricruz Olivier, dirigida por Carlos Enrique Taboada.

Argumento:
En un exclusivo Colegio femenino de dura disciplina y ferreo control, el fantasma de Andrea una ex alumna suicida, provoca que Claudia y un grupo de condiscípulas queden castigadas durante las vacaciones en las instalaciones de ese Colegio. Después de atormentar a Claudia y a sus compañeras por varias noches, el Fantasma de Andrea se posesiona del cuerpo de Claudia para vengarse de Bernarda la directora del plantel. Claudia sufre una extraña transformación que hace recordar a Lucía la brillante personalidad de la alumna suicida. Una vez que se ha consumado la venganza en contra de la tirana directora, todo vuelve a la normalidad.
Se considera una película de culto entre los fanáticos mexicanos del cine de horror y se muestra los días de Todos los Santos y el día de los muertos.

Ficha Técnica
Pais: Mexico
Año: 1968
Duración: 88 min.
Dirección: Carlos Enrique Taboada
Guión: Carlos Enrique Taboada
Intérpretes: Marga López, Maricruz Olivier, Alicia Bonet, Norma Lazareno, Renata Seydel, Elizabeth Dupeyrón, Rita Sabre Marroquín, Rafael Llamas, Pamela Susan Hall

Tradicionalmente, el género de horror en el cine mexicano ha sido caracterizado por la combinación, un tanto surrealista, de luchadores y monstruos. Durante los años cincuenta, el auge de la lucha libre y el resurgimiento internacional del cine de horror hicieron converger a estas dos corrientes en un cine barato y efectista, que tuvo momentos gloriosos con cintas como Ladrón de cadáveres (1956) de Fernando Méndez, pero que casi nunca exploró más allá de los estrechos límites que la propia combinación ofrecía.

Además de barato, el cine de horror mexicano carecía de una tradición. Aunque los escritores y directores del cine nacional nunca demostraron empacho a la hora de "mexicanizar" historias y tradiciones extranjeras, el suspenso, el terror psicológico y otras manifestaciones del cine de horror no fueron explorados sino hasta la década de los sesenta.
Hasta el viento tiene miedo se inscribe en la tradición del horror gótico, variante del género de horror muy popular en la literatura y cinematografía anglosajonas. La denominación proviene de los ambientes obscuros y misteriosos en los que se desenvuelven las tramas de estas historias. Casonas habitadas por fantasmas, personajes atormentados, venganzas del más allá y otras manifestaciones sobrenaturales son característicos de este género.

Su experiencia previa como argumentista de cintas como El espejo de la bruja (1960) y la serie de Nostradamus (1959) familiarizó a Carlos Enrique Taboada con los elementos típicos del terror fino y casi imperceptible que emana de las imágenes de Hasta el viento tiene miedo. A pesar de las evidentes limitaciones de su producción y de lo poco convincente de algunas de sus actuaciones:

Se apreció en su momento el intento en Taboada de crear una atmósfera ominosa sin el auxilio de la truculencia barata.

García Riera, E. (1993). Historia documental del cine mexicano XIII: 1966-1967. Guadalajara, México: Universidad de Guadalajara, p. 219.
Las deficiencias en su realización, atribuíbles en mayor grado a la modesta producción que al descuido de su director, han tenido poco efecto en la percepción del público sobre la calidad de la cinta:

Nunca creí que esta película tuviera éxito y sin embargo gustó mucho; todavía a mucha gente le sigue gustando, les sigue provocando miedo, les sigue asustando.
Marga López, en De la Vega Alfaro, E. (1998). El cine de Marga López. Guadalajara, México: Universidad de Guadalajara (CIEC) e IMCINE, pp. 145-146.

La popularidad alcanzada por Hasta el viento tiene miedo, especialmente entre jóvenes y fanáticos del cine de horror, ha generado uno de los "cultos" más interesantes de la historia reciente del cine mexicano. La película es una de las más comentadas en el creciente número de chats y grupos de discusión que sobre cine existen en Internet. Adicionalmente, su paso por la televisión mexicana se ha vuelto una tradición durante las festividades de halloween y día de muertos. Este fenómeno ha trascendido las fronteras de nuestro país, convirtiendo a la cinta de Taboada en una de las favoritas de los aficionados al horror cinematográfico alrededor del mundo.

A finales de 2007, un desafortunado remake -que transformó la popular trama de suspenso en un melodrama lésbico con tintes sobrenaturales- además del lanzamiento en DVD de la cinta original, volvieron a poner de moda a Hasta el viento tiene miedo. Los miles de admiradores de la cinta olvidaron rápidamente la nueva versión y se dirigieron en masa a adquirir la película original, con el inquebrantable propósito de seguirse asustando con las apariciones y deleitarse con las maldades del fantasma de Andrea.

Imprint

Argumento
Del dirctor de Audition.
Un estadounidense va en busca de su novia japonesa y llega a una misteriosa isla donde ocurren extraños actos. Allí conoce a una prostituta con la cara desfigurada que era amiga de su novia.

Ficha Técnica
Pais: USA, Japon
Año: 2006
Duración: 63 min.
Dirección: Takashi Miike
Guión: Shimako Iwa
Intérpretes: Youki Kudoh, Michie Itô, Billy Drago

Takashi Miike es un director de cine japonés nacido el 24 de agosto de 1960 en Yao, una pequeña ciudad a las afueras de Osaka. Estudió dirección de cine en la Academia de Artes Visuales de Yokohama. La popularidad le llegó en 1999 con la película AUDITION. Prolífico, ecléctico y controversial cineasta, conocido como el Tarantino oriental, es capaz de crear sentimientos y sensaciones antagónicas en el espectador. Al parecer los productores de la serie no sabían en lo que se estaban metiendo al darle completa libertad creativa a un director como Takashi Miike. En realidad, todos los directores que participaron en la serie gozaron de tal libertad ya que al emitirse por una cadena privada se suponía que el nivel de censura seria mucho menor. Pero Miike fue mas haya de lo que esperaban los creadores de dicha serie y HUELLA jamás fue emitido por la televisión americana.
El mismo Mick Garris, creador y productor ejecutivo de la serie, declaro: "Es definitivamente la película más perturbadora que yo haya visto". Mick Garris no se alejaba tanto de la verdad, ciertamente, HUELLA es abominable, enfermizo, horripilante, macabro, perverso. Por supuesto que de ser transmitido en USA hubiese sido un hervidero de denuncias, pero eso no es problema de la película. ¿La razón de tan drástica medida? Mutilaciones, Deformaciones monstruosas, Violaciones, Incesto, Pedofilia, Tortura extrema, Maltrato, Sangre, Humillaciones, Asesinato, Infanticidios a saco, Paranoia... una corrupción absoluta de cuerpo, mente y alma. Un autentico infierno en 60 minutos de metraje.
La película sitúa su acción a mediados del siglo XIX. Christopher es un joven periodista americano que decide viajar a Japón para reencontrarse con la prostituta japonesa que años atrás amó y abandonó. Pero cuando se adentra en una misteriosa isla, descubre que los demonios humanos y las prostitutas gobiernan el lugar en le que una deformada cortesana espera su llegada para explicarle un cuento repleto de extrema crueldad y perversa venganza.

Bueno pues ya que el amigo Judias ha enviado un capitulo de esta serie creada por el director Mick Garris, aqui envío el ultimo capítulo de la primera temporada dirigido por el kamikaze Takashi Miike. Es cierto que este episodio lo han censurado en yankilandia pero...que esperaban de un tipo como Miike??!!.Respecto a la historia no tiene desperdicio Takashi Miike no se corta un pelo...hay abortos, fetos, incesto y torturas. Una cruel tortura dificil de aguantar que nos remite al Takashi de "Audition". Y en toda esta pesadilla se encuentra un incrédulo Billy drago que no termina de creerse lo que le cuenta la chica desfigurada.

Incident On and Off a Mountain Road

A la mayor parte de los mortales el nombre de Don Coscarelli, encargado de abrir fuego en esta primera temporada de Masters of Horror, no les dirá nada. Sin embargo, este eterno desconocido para el gran público es el artífice de Phantasm (1979), auténtica cult movie de exiguo presupuesto e iniciadora de una saga, compuesta hasta el momento por cuatro títulos, que cuenta con una auténtica legión de phans, como gustan hacerse llamar los incondicionales de la (hasta el momento) tetralogía, entre los devoradores de serie B y demás adictos al terror subterráneo. Indudablemente el hecho de que Coscarelli sea el creador de `el hombre alto´, uno de los mitos del terror moderno, debió influir para que Mick Garris le propusiera dirigir el capítulo inicial de esta excelente propuesta que es Masters of Horror.

Arguemento
Del director de Phantasm.
Ellen viaja por una carretera desierta cuando al intentar cambiar de emisora choca contra un coche parado en mitad de la calzada. Cuando va a ver si hay algún herido, descubre un reguero de sangre que la conduce desde el coche hasta el lindero del bosque...

Ficha Técnica
Pais: USA
Año: 2005
Duración: 51 min.
Dirección: Don Coscarelli
Guión: Don Coscarelli
Intérpretes: Bree Turner, Angus Scrimm, John DeSantis, Ethan Embry, Heather Feeney

Hemos de reconocer que Coscarelli permanece encasillado desde hace años en su papel de obsesivo demiurgo y principal explotador de la franquicia Phantasm (1). De hecho, Incident On and Off a Mountain Road (2005) es una nueva revisión del universo temático de la saga que incluso cuenta con la presencia de Angus Scrimm, actor que ha dado vida al `hombre alto´ en todas sus apariciones fílmicas, encarnando a un sosias del célebre personaje. Por tanto el autohomenaje resulta en este caso evidente. Coscarelli persigue con ello, y lo consigue de inmediato, obtener la complicidad de los fanáticos de la saga que no podrán evitar el orgasmo entusiasta ante la espectacular aparición de Scrimm en la cinta. No obstante no se han de malinterpretar mis palabras, pues Incident On and Off a Mountain Road sobrevive a su preclara condición de artefacto para satisfacción de los incondicionales enfebrecidos de Phantasm que pululan por este planeta y se revela como un excelente film de terror. El mayor acierto de la película, pues eso es lo que son en definitiva todos y cada uno de los episodios de Masters of Horror, es precisamente esa dualidad ambigua que se sugiere desde el mismo título. Coscarelli ironiza sobre los lugares comunes del cine de terror moderno. Para ello toma un argumento manido hasta la saciedad dentro del género (Una chica sufre un accidente de coche en una carretera apartada y es perseguida por un asesino monstruoso) y lo conjuga, mediante una hábil utilización del flash-back, con una crítica feroz a la cultura del miedo impuesta desde las altas esferas de la sociedad yanqui y la consecuente paranoia, en algunos casos mucho más peligrosa que la hipotética amenaza, que ésta origina en el ciudadano americano medio.

De manera que el episodio perpetrado por Don Coscarelli para esta season 1 de Masters of Horror es un slasher-político que nos hace intuir que el cine de terror contemporáneo no sólo se alimenta de asesinos sosainas, victimas pechugonas y fantasmas nipones, sino que puede/debe ser reflejo crítico de su momento histórico. En opinión de este crítico el capítulo de Coscarelli está al nivel de otros más elogiados como los de Dante y Carpenter, siendo uno de los más conseguidos de la serie. Lamentablemente, el hecho de que Coscarelli, a diferencia de sus famosos colegas, sea un cineasta ignorado por unos y estigmatizado por otros repercutirá negativamente en la valoración crítica de este film.